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TOP 165 Cine y pintura: Analogías (IV)


«Cuando cambié de carrera quemé todas las láminas que había pintado hasta entonces. Tenía la intención de olvidar la pintura de una vez por todas. Como dice un conocido proverbio japonés: ‘El cazador que persigue dos conejos, no atrapa ninguno’. Una vez que empecé a trabajar en el cine, no hice de pintor en absoluto. Pero después, cuando me convertí en director de cine, me di cuenta que el dibujo, a menudo, era un medio útil para explicar las ideas a mi personal»

(Akira Kurosawa)


Por orden cronológico: de 1975 a 1988


100. El espejo (Andrei Tarkovsky, 1975)

Retrato de Ginebra de Benci (Leonardo da Vinci, 1474)


101. El espejo (Andrei Tarkovsky, 1975)

Paisaje nevado con patinadores y trampa para pájaros (Pieter Brueghel el Viejo, 1565)


102. El espejo (Andrei Tarkovsky, 1975)

Silencio (Johann H. Füssli, 1800)


103. Barry Lyndon (Stanley Kubrick, 1975)

Poco después de la boda (Casamiento a la moda II) (William Hogarth, 1743)


104. Barry Lyndon (Stanley Kubrick, 1975)

Malvern Hall, Warwickshire (John Constable, 1809)


105. Picnic at Hanging Rock (Peter Weir, 1975)

At the Hanging Rock (William Ford, 1875)


106. Saló, o los 120 días de Sodoma (Pier Paolo Pasolini, 1975)

Las meninas (Diego Velázquez,1656)


107. El unicornio (Louis Malle, 1975)

The golden years (Balthus, 1945)


108. La marquesa de O (Éric Rohmer, 1976)

La pesadilla (El íncubo) (Johann H. Füssli, 1781)


109. Taxi driver (Martin Scorsese, 1976)

San Juan Bautista (Caravaggio, 1604)


110. El quinto sello (Zoltán Fábri, 1976)

El jardín de las delicias (Jheronimus Bosch, 1480-1490)

Detalle


111. Los duelistas (Ridley Scott, 1977)

Napoleón en Saint-Helene (Francois-Joseph Sandmann, 1820)


112. Nosferatu, vampiro de la noche (Werner Herzog, 1979)

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Paisaje de una tarde con dos hombres (Caspar David Friedrich, 1830-1835)

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113. Stalker (Andrei Tarkovsky, 1979)

La Zone (Fillette dans la neige, La Gréve) (Georges Seurat, 1883)


114. Stalker (Andrei Tarkovsky, 1979)

Kept In (Jessie Wilcox Smith, 1904)


115. Alien, el octavo pasajero (Ridley Scott, 1979)

Alien el octavo pasajero recién nacido

Tres estudios para figuras en la base de una crucifixión (Francis Bacon, 1944)


116. Alien, el octavo pasajero (Ridley Scott, 1979)

Necronom V (H. R. Giger, 1976)


117. El hombre elefante (David Lynch, 1980)

Autorretrato (Francis Bacon, 1969)


118. Pasión (Jean-Luc Godard, 1982)

La bañista de Valpinçon (Dominique Ingres, 1808)


119. Dimensiones del diálogo (Jan Švankmajer, 1982). Cortometraje

Los amantes (René Magritte, 1928)


120. Sean Young, como Rachael, en Blade Runner (Ridley Scott, 1982)

Cartel publicitario del papel de fumar JOB (Ramón Casas, 1900)


121. Tenebre (Dario Argento, 1982)

Untitled (Philip Guston, 1969)


122. Nostalgia (Andrei Tarkovsky, 1983)

Las ruinas de Eldena (Caspar David Friedrich, 1825)


123. Videodrome (David Cronenberg, 1983)

Cristo mostrando sus heridas (Giovanni Antonio Galli, Lo Spadarino, 1610-1620)


124. Zoo (Peter Greenaway, 1985)

La lección de música (Johannes Vermeer, 1662-1665)


125. Zoo (Peter Greenaway, 1985)

El arte de la pintura (Johannes Vermeer, 1966)


126. Mishima: Una vida en cuatro capítulos (Paul Schrader, 1985)

St Sebastian (Niccolo Renieri/Nicolas Régnier, 1620)


127. Ran (Akira Kurosawa, 1985)

El rey Lear y el bufón en la tormenta (William Dyce, 1851)


128. El Flautista de Hamelín (Jiří Barta, 1985). Animación

The Way to Emmaus (Karl Schmidt-Rottluff, 1918)


129. Dentro del laberinto (Jim Henson, 1986)

Relativity (M. C. Escher, 1953). Litografía


130. El imperio del sol (Steven Spielberg, 1987)

Freedom from Fear (Norman Rockwell, 1943)


131. Las aventuras del barón Münchausen (Terry Gilliam, 1988)

El nacimiento de Venus (Sandro Botticelli, 1486)


132. Inseparables (David Cronenberg, 1988)

La mariée (Marcel Duchamp, 1912)


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TOP 165 Cine y pintura: Analogías (III)


«Entre el cine y la pintura existen sobre todo falsos encuentros, falsos terrenos comunes,
aunque también, sin duda, ciertas problemáticas compartidas»

(Jacques Aumont)


Por orden cronológico: de 1964 a 1974


67. Gertrud (Carl Th. Dreyer, 1964)

Mujer leyendo junto a la ventana (Vilhelm Hammershøi, 1864-1916)


68. Gertrud (Carl Th. Dreyer, 1964)


Motas de polvo bailando en los rayos del sol (Vilhelm Hammershøi, 1900)


69. El evangelio según San Mateo (Pier Paolo Pasolini, 1964)

Exaltación de la Cruz (Piero della Francesca, 1452-1466)

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70. El desierto rojo (Michelangelo Antonioni, 1964)

Banda blanca nº 27 (Mark Rothko, 1954)


71. La gorgona (Terence Fisher, 1964)

Cabeza de Medusa (tradicionalmente atribuida a Da Vinci y actualmente a un pintor flamenco, c. 1600)


72. Yoyo (Pierre Étaix, 1965)

El Ángelus (Jean-François Millet, 1857-1859)


73. Doctor Zhivago (David Lean, 1965)

Flores de naturaleza muerta (Nina Mikhailenko, St. Petersburg, 1946)


74. Persona (Ingmar Bergman, 1966)

Vampire (Edvard Munch, 1895)


75. Andrei Rublev (Andrei Tarkovsky, 1966)

Los cazadores en la nieve (Pieter Brueghel el Viejo, 1565)


76. Al azar de Baltasar (Robert Bresson, 1966)

Desnudo azul (Pablo Picasso, 1902)

Mujer desnuda arrodillada delante de un sofá rojo (Félix Vallotton, 1915)


77. Al azar de Baltasar (Robert Bresson, 1966)

Estudio de un mano (Adolph von Menzel, 1848)


78. La hora del lobo (Ingmar Bergman, 1968)

Los antropófagos (Axel Fridell, 1894-1935). Grabado


79. Goto, isla del amor (Walerian Borowczyk, 1969)

La mujer del artista (Max Kurzweil, 1912)


80. Topaz (Alfred Hitchcock, 1969)

La lección de música (Johannes Vermeer, 1662-1665)


81. El topo (Alejandro Jodorowsky, 1970)

La miel es más dulce que la sangre (Salvador Dalí, 1927)


82. El pájaro de las plumas de cristal (Dario Argento, 1970)

 Los cazadores en la nieve (Pieter Brueghel el Viejo, 1565)


83. Muerte en Venecia (Luchino Visconti, 1971)

Paseo a orillas del mar (Joaquín Sorolla, 1909)


84. El Rey Lear (Grigori Kozintsev & Iosif Shapiro, 1971)

Ofelia (John Everett Millais, 1852)

Untitled, de Alex Kanevsky


85. El Decamerón (Pier Paolo Pasolini, 1971)


Ognissanti Madonna (Madonna in Maestà) (Giotto di Bondone, 1310)


86. El Decamerón (Pier Paolo Pasolini, 1971)

El combate entre don Carnal y doña Cuaresma (Pieter Brueghel el Viejo, 1559)

Detalle


87. Una lagartija con piel de mujer (Lucio Fulci, 1971)

Bacanales (Salvador Dalí, 1939)


88. Gritos y susurros (Ingmar Bergman, 1972)

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La captura de Sansón (Christiaen van Couwenbergh, 1630)

Pietà (Miguel Ángel, 1498-1499). Escultura


89. Gritos y susurros (Ingmar Bergman, 1972)

El grito (Edvard Munch, 1893)


90. Gritos y susurros (Ingmar Bergman, 1972)

Muerte en la habitación (Edvard Munch, 1895)


91. Solaris (Andrei Tarkovsky, 1972)

El regreso del hijo pródigo (Rembrandt van Rijn, 1662)


92. Los cuentos de Canterbury (Pier Paolo Pasolini, 1972)

La conversión de San Pablo (Pieter Brueghel el Viejo, 1567)


93. 1776 (Peter H. Hunt, 1972)

Declaración de Independencia (John Trumbull, 1819)


94. El amor después del mediodía (Éric Rohmer, 1972)

Madame Récamier (Jacques-Louis David, 1800)


95. Morgiana (Juraj Herz, 1973)

La bebedora de absenta (Léon Spilliaert, 1907)

La morfinómana (Hermenegildo Anglada Camarasa, 1902)


96. El espíritu de la colmena (Víctor Erice, 1973)

Mujer de amarillo escribiendo (Johannes Vermeer, 1665)


97. El exorcista (William Friedkin, 1973)

Una semana de bondad (Max Ernst, 1935). Collage


98. La montaña sagrada (Alejandro Jodorowsky, 1973)

Le Témoin (Man Ray, 1971). Escultura


99. El Padrino II (Francis Ford Coppola, 1974)

La muerte de Marat (Jacques-Louis David, 1793)


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TOP 165 Cine y pintura: Analogías (II)


«La fabricación de planos sería aquello que acerca el cineasta al pintor, el cine a la pintura»

(Pascal Bonitzer)


Por orden cronológico: de 1948 a 1962


34. Hamlet (Laurence Olivier, 1948)

Ofelia (John Everett Millais, 1852)


35. La tierra tiembla (Luchino Visconti)

Las tres Marías (Edwin Austin Abbey, 1906-1911)


36. Locura de amor (Jaime de Orduña, 1948)

Doña Juana la Loca (Francisco Pradilla y Ortiz, 1877)


37. Stromboli, tierra de Dios (Roberto Rossellini, 1950)

Calle en Åsgårdstrand (Edvard Munch, 1902)


38. Juegos de verano (Ingmar Bergman, 1951)

Bailarina ajustándose la zapatilla (Edgar Degas, 1886)


39. Diario de un cura rural (Robert Bresson, 1951)


Paisaje con sauces podados (Vincent van Gogh, 1884)


40. Un americano en París (Vincente Minnelli, 1951)

En el Moulin Rouge (Henri de Toulouse-Lautrec, 1895)


41. Otelo (Orson Welles, 1951)

Otelo y Desdémona (Antonio Muñoz Degraín, 1880)


42. La ventana indiscreta (Alfred Hitchcock, 1954)

Ventanas de noche (Edward Hopper, 1928)


43. Senso (Luchino Visconti, 1954)

El beso (Francesco Hayez, 1859)


44. Ha nacido una estrella (George Cukor, 1954)

Bailarinas atándose las zapatillas (Edgar Degas, 1883)


45. Ordet – La palabra (Carl Th. Dreyer, 1955)

Los hijos de Dios (Niels Bjerre, 1897)


46. La noche del cazador (Charles Laughton, 1955)

Ofelia ahogándose (Paul Albert Steck, 1895)


47. La Pointe Courte (Agnès Varda, 1955)

Doppelporträt (Heinrich Hoerle, 1895-1936)


48. Centauros del desierto (John Ford, 1956)

Ethan (Robert Edward McGinnis, 1980). Homenaje a John Wayne

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49. Centauros del desierto (John Ford, 1956)

Mañana en Carolina del Sur (Edward Hopper, 1955)


50. El increíble hombre menguante (Jack Arnold, 1957)

La giganta (Rene Magritte, 1929)


51. El séptimo sello (Ingmar Bergman, 1957)

La muerte jugando al ajedrez (Iglesia de Täby, Uppland) (Albertus Pictor, 1480-1490). Pintura mural


52. El séptimo sello (Ingmar Bergman, 1957)

Danza Macabra (Bernt Notke, 1633)


53. El séptimo sello (Ingmar Bergman, 1957)

Couple (Egon Schiele, 1909)

Mung y la bestia de Mung, del libro The Gods of Pegana (Lord Dunsan, 1911). Ilustración por Sidney Sime


54. Cuando pasan las cigüeñas (Mikhail Kalatozov, 1957)

Round Lake, Mud Bay (Tom Thomson, 1915)


55. Vértigo (Alfred Hitchcock, 1958)

Chica en el bosque (Vincent Van Gogh, 1882)


56. Vértigo (Alfred Hitchcock, 1958)

Autorretrato en Bugatti verde (Tamara de Lempicka, 1932)


57. Psicosis (Alfred Hitchcock, 1960)

Stairway at 48 rue de Lille, Paris (Edward Hopper, 1906)


58. Los ojos sin rostro (Georges Franju, 1960)

Three Nurse (Hans Vandekerckhove, 2011)


59. Cuando una mujer sube la escalera (Mikio Naruse, 1960)

Mujer en las escaleras (Caspar David Friedrich, 1825)


60. La aventura (Michelangelo Antonioni, 1960)

La separación (Edvard Munch, 1894)


61. Viridiana (Luis Buñuel, 1961)

La última cena (Leonardo da Vinci, 1497)


62. Como en un espejo (Ingmar Bergman, 1961)

Lethargy (Anders Kohls)


63. La infancia de Iván (Andrei Tarkovsky, 1962)

Bosque de abedules (Gustav Klimt, 1903)

Bosque de pinos en invierno (Koloman Moser, 1907)


64. El eclipse (Michelangelo Antonioni, 1962)

New York Movie (Edward Hopper, 1939)


65. El eclipse (Michelangelo Antonioni, 1962)

The Abyss (Pietro Canonica, 1909). Escultura. Detalle


66. La ricota (Pier Paolo Pasolini, 1962). Mediometraje

El descendimiento de Cristo (El descendimiento de la cruz) (Rosso Fiorentino, 1521)


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TOP 165 Cine y pintura: Analogías (I)


«Una pintura es una fotografía hecha a mano»

(Salvador Dalí)


Por orden cronológico: de 1906 a 1944


1. Las 400 farsas del diablo (Georges Méliès, 1906). Cortometraje

Restos de un automóvil dando a luz a un caballo ciego que muerde un teléfono (Salvador Dalí, 1938)


2. Christus (Giulio Antamoro, 1916)


La Anunciación (Fra Angélico, 1426). Retablo


3. El presidente (Carl Th. Dreyer, 1919)

 Composición en gris y negro: La madre del pintor (James Whistler, 1871)


4. El gabinete del doctor Caligari (Robert Wiene, 1920)

La separación (Edvard Munch, 1894)


5. El gabinete del doctor Caligari (Robert Wiene, 1920)

Noche en la ventana (Marc Chagall, 1950)


6. El gabinete del doctor Caligari (Robert Wiene, 1920)

La casa de la esquina (Ludwig Meidner, 1913)


7. El Golem (Paul Wegener & Carl Boese, 1920)

Filósofo meditando (Rembrandt van Rijn, 1632)


8. El Golem (Paul Wegener & Carl Boese, 1920)

TITLE: GOLEM, WIE ER IN DIE WELT KAM, DER ¥ PERS: WEGENER, PAUL / SALMONOVA, LYDA ¥ YEAR: 1920 ¥ DIR: WEGENER, PAUL ¥ REF: GOL035AW ¥ CREDIT: [ THE KOBAL COLLECTION / UFA ]

La pesadilla (El íncubo) (Johann H. Füssli, 1781)


9. Nosferatu (F.W. Murnau, 1922)

Storehouses Near the Brouwersgracht, Amsterdam (William Degouve de Nuncques, 1917)

Houses at the Oudezijds Achterburgwal in Amsterdam (Jan Sluyters, 1927)

Lübeck (Edvard Munch, 1902). Dibujo


10. Nosferatu (F.W. Murnau, 1922)

El lector a la moda (Georg Friedrich Kersting, 1812)


11. El acorazado Potemkin (Sergei M. Eisenstein, 1925)

Guernica (Pablo Picasso, 1937). Detalle


12. El acorazado Potemkin (Sergei M. Eisenstein, 1925)

Estudio para la cabeza de un Papa gritando (Francis Bacon, 1952)

Estudio para la enfermera del Acorazado Potemkin (Francis Bacon, 1957)


13. El acorazado Potemkin (Sergei M. Eisenstein, 1925)

El éxtasis de Santa Teresa (Gian Lorenzo Bernini, 1647-1652). Escultura. Detalle


14. Fausto (F.W. Murnau, 1926)

Hombre y mujer contemplando la luna (Caspar David Friedrich, 1818-1824)

El soñador (Jean-Baptiste Camille Corot, 1854)


15. Las aventuras del príncipe Achmed (Lotte Reiniger, 1926). Animación

La encantadora de serpientes (Henri Rousseau, 1891)


16. Metrópolis (Fritz Lang, 1927)

La torre de Babel (Pieter Brueghel el Viejo, 1563)


17. Metrópolis (Fritz Lang, 1927)

Hamlet y el espectro de su padre (William Blake, 1806)


18. Metrópolis (Fritz Lang, 1927)

Virgen de la Misericordia (Piero della Francesca, 1445-1462). Detalle

Políptico de la Misericordia


19. La pasión de Juana de Arco (Carl Th. Dreyer, 1928)

Cabeza de mujer llorando con pañuelo (III) (Pablo Picasso, 1937)


20. White Hell of Pitz Palu (Georg W. Pabst & Arnold Fanck, 1929)

Acantilados blancos en Rügen (Caspar David Friedrich, 1818)


21. El doctor Frankenstein (James Whale, 1931)


La pesadilla (El íncubo) (Johann H. Füssli, 1781)


22. Drácula (Tod Browning, 1931)

Entierro prematuro (Antoine Wiertz, 1854)


23. Vampyr, la bruja vampiro (Carl Th. Dreyer, 1932)

La muerte y el leñador (Jean-Francois Millet, 1859)


24. Vampyr, la bruja vampiro (Carl Th. Dreyer, 1932)

Orfeo conduciendo a Eurídice fuera del infierno (Jean-Baptiste Camille Corot, 1861)


25. Vampyr, la bruja vampiro (Carl Th. Dreyer, 1932)

La pesadilla (El íncubo) (Johann H. Füssli, 1781)


26. La kermesse héroique (Jacques Feyder, 1935)

Juego de niños (Pieter Brueghel el Viejo, 1560)


27. Rembrandt (Alexander Korda, 1936)

Hombre leyendo en la mesa de una habitación noble (Rembrandt van Rijn, 1630)


28. Una partida de campo (Jean Renoir, 1936)

Almuerzo sobre la hierba (Édouard Manet, 1863)


29. Goyescas (Benito Perojo, 1942)

La maja vestida (Francisco de Goya, 1808)


30. Dies Irae (Carl Th. Dreyer, 1943)

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La lección de anatomía del Dr. Nicolaes Tulp (Rembrandt van Rijn, 1632)


31. Meshes of the afternoon (Maya Deren & Alexander Hammid, 1943). Cortometraje

Mito de la luz (Marie Čermínová, 1946)


32. Tortura (Alf Sjöberg, 1944)

La pesadilla (El íncubo), 2ª versión (Johann H. Füssli, 1781)


33. La isla de la muerte (Mark Robson, 1945)

La isla de los muertos III (Arnold Böcklin, 1880)


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TOP 15 Expresionismo alemán


«El cine de posguerra –alemán– pareció insistir en acentuar su carácter enigmático, macabro, siniestro, mórbido. Refleja el proceso de repliegue ‘en la profundidad del alma’ que llevó a cabo la población durante este periodo de incertidumbre»

Sigfried Kracauer


Por orden cronológico


1. EL GABINETE DEL DOCTOR CALIGARI (Das Kabinett des Dr. Caligari) 
Robert Wiene, 1920


2. EL GOLEM (Der Golem, wie er in die Welt kam)
Paul Wegener & Carl Boese, 1920


3. DE LA MAÑANA A LA MEDIANOCHE (Von Morgens bis Mitternacht)
Karl Heinz Martin, 1920


4. GENUINE: A TALE OF A VAMPIRE (Genuine)
Robert Wiene, 1920. Mediometraje

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5. ALGOL: LA TRAGEDIA DEL PODER (Algol – Tragödie der Macht)
Hans Werckmeister, 1920


6. LAS TRES LUCES (LA MUERTE CANSADA) (Der Müde Tod)
Fritz Lang, 1921

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7. NOSFERATU (Nosferatu, eine Symphonie des Grauens)
F. W. Murnau, 1922

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8. EL DOCTOR MABUSE (Dr. Mabuse, der Spieler)
Fritz Lang, 1922


9. SOMBRAS (Schatten – Eine nächtliche Halluzination)
Arthur Robison, 1923


10. LA CALLE (Die Straße)
Karl Grune, 1923


11. CRIMEN Y CASTIGO (Raskolnikow)
Robert Wiene, 1923


12. EL TESORO (Der Schatz)
Georg Wilhelm Pabst, 1923


13. LAS MANOS DE ORLAC (Orlacs Hände)
Robert Wiene, 1924


14. FAUSTO (Faust)
F. W. Murnau, 1926

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15. EL ESTUDIANTE DE PRAGA (Student von Prag)
Henrik Galeen, 1926

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Mención extra: METRÓPOLIS (Metropolis)
Fritz Lang, 1927

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INSEPARABLES


Dead Ringers

Canadá, 1988. 115 min.

Director: DAVID CRONENBERGGuión: David Cronenberg, Norman Snider (Novela: Bari Wood, Jack Geasland)Música: Howard Shore. Fotografía: Peter Suschitzky. Intérpretes: Jeremy Irons, Geneviève Bujold, Heidi von Palleske, Barbara Gordon, Shirley Douglas, Stephen Lack, Jonathan Haley, Nicholas Haley, Lynne Cormack.


«La oposición normalidad/anormalidad se expresa, cotidianamente, por el contraste entre el orden y el desorden. Si el primero es el reino de la armonía y la belleza, el segundo es el imperio del traumatismo y el caos. Un desorden que no puede anticiparse sino bajo la forma de peligro absoluto, pues es lo que rompe completamente con la normalidad constituida y no puede anunciarse o presentarse más que bajo la especie de monstruosidad»

José Miguel G. Cortés


El director de Videodrome, película-pilar de su tesis somática de la Nueva Carne, eleva el splatter a la metafísica en Inseparables, su obra más exquisita y perturbadora. David Cronenberg (Toronto, 1943), conocido en sus inicios  como el «rey del terror venéreo» y tachado de maldito y morboso, ostenta su pureza y valía, pese a ello, en los filmes de su primera y segunda etapa (de Vinieron de Dentro de… hasta Inseparables), los cuales supuran complejas y estimulantes reflexiones sobre el rediseño del hombre moderno y el mundo entonces en la década de los ochenta.

Aquéllas son películas cuyo campo de batalla es el cuerpo humano, que es sometido a enfermedades víricas o transformaciones irritantes en búsqueda de una especie de trascendencia vital o inmortalidad. Cintas como Rabia, Cromosoma 3, Videodrome, La Mosca e Inseparables han arrojado al canadiense Cronenberg al panteón de la carne caótica y lo abyecto, subvirtiendo la realidad y dando forma visible a los abismos del inconsciente humano (instintos, miedos, deseos, sueños no realizados).


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Dead Ringers se basa en la novela «Twins» (1977), de Bari Wood y Jack Geasland, inspirada a su vez en un asombroso hecho real: la historia de los gemelos univitelinos Marcus, ginecólogos de profesión, cuyas obsesivas relaciones de dependencia desembocaron en la locura y el suicidio: no podían vivir separados. Eso mismo le pasa a Jeremy Irons, cuyo rol estaba destinado inicialmente a James Woods (Max Renn en Videodrome). Excelente en su doble actuación, Irons interpreta a los hermanos Mantle, ambos prestigiosos ginecólogos que se dedican al tratamiento de mujeres con problemas de fertilidad. Son idénticos físicamente, aunque distintos en carácter. Mientras Elliot es seguro, descarado y se entrega a numerosas aventuras, Beverly es más sensible e introvertido y está dedicado de lleno al trabajo. Lo comparten todo, incluso las mujeres. En realidad, es como si constituyesen un mismo ser.

Todo marcha bien entre ellos hasta que aparece la sensual Claire Niveau (Geneviève Bujold), una mujer madura que acude a la consulta para tratar su esterilidad. Elly y Bev se sienten atraídos por ella, especialmente por la monstruosa anomalía que encuentran al examinarla: un útero con tres cervices. Claire (la mujer), como antes Anabel en Vinieron de Dentro de…, Rose en Rabia y Nola en Cromosoma 3, supone el elemento perturbador en la normalidad (masculina). Su sexo mutado se convierte en el desencadenante del periplo de descomposición física y mental de los inseparables gemelos, quienes en una espiral de celos irracionales, drogas y autodestrucción sufren una disolución de la realidad y se ven abocados, inexorablemente, a la desintegración total del yo ante un mundo exterior incontrolable.


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David Cronenberg trata el enigma del doble, la escisión, la identidad y la caducidad de la carne y la mente. Asimismo, vuelve a mostrar su obsesión por la hipocondría del hombre ante el misterio aterrador de la feminidad. Esta angustia masculina, aunque en sentido metafórico, también se relaciona con el origen de la vida. Así, a la imaginería ginecológica se le suma el apartamento de azul de pecera de los hermanos Mantle en el que, a modo de casa-útero y rodeados de restos de comida, suciedad e inmundicia, los dos se encierran finalmente en busca de su renacimiento (sincronización, suicidio).

Elliot y Beverly Mantle sienten que separados no están completos, que de esa forma no pueden vivir. En el explosivo último tramo del filme llegan a tener una regresión a la infancia y, tras celebrar un patético no-cumpleaños, componen una definitoria estampa de pietà invertida con el desahuciado Beverly abrazando el cadáver de su hermano y dejándose morir. Esa idea de retorno al vientre materno, connotado por lo desconocido y lo siniestro, entronca con la fantasía de existencia intrauterina de Sigmund Freud y, en cierta manera, con Alien, el Octavo Pasajero (1979), filme donde la nave-planeta alienígena simboliza el interior femenino.



Llaman la atención, desde su primera aparición en los títulos de crédito, los instrumentos quirúrgicos inventados por Beverly «para operar a mujeres mutantes». «Las pacientes están deformadas por dentro y precisan de una tecnología radical», dice Bev. Inspirados en una escultura realizada por el mismo Cronenberg llamada «Surgical Instruments for Operating on Mutants» y con un aspecto biomecánico que recuerda al estilo de H. R. Giger, esos objetos fetiche introducen lo arcaico, precientífico y brujeril. Con picos y garras y más parecidos a herramientas de tortura que a material médico, en verdad, son ellos los que se revelan monstruosos, por tanto también la psique que los dispone (y no el sexo de Claire).

Perfecto complemento del instrumental es el vestuario usado en el quirófano donde los Mantle fertilizan artificialmente a las mujeres o les corrigen malformaciones genitales. Las batas son túnicas de color rojo intenso con esclavina y capucha, «en plan colegio de cardenales» (Cronenberg), como si de una ceremonia sangrienta e inquisitorial se tratase.


Instrumentos: «Simbólicamente, son objetivización de las posibilidades, acciones y deseos. Cada uno de ellos, por tanto, posee el significado literal correspondiente, pero también el derivado de su transposición al plano psicológico y espiritual»

Juan Eduardo Cirlot


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Inseparables, en la que la metamorfosis se encuentra en la mente y ya no tanto en la carne, es un drama existencial que se desarrolla en un microuniverso decadente y patológicamente obsesivo en el que se respira una atmósfera viciada de incomodidad cada vez más asfixiante. La película nº 11 de Cronenberg, si contamos Stereo y Crimes of the Future, es una experiencia íntima con pocos personajes y primeros planos de ellos, una cinta de discurrir hipnótico y apoyada en una puesta en escena clásica y elegante.

Los decorados y la iluminación self-conscious, apéndices de la psique progresivamente degenerada de Elliot y Beverly Mantle, adquieren especial relevancia en la película. A la candidez y el confort de la vivienda de la paciente Claire Niveau, se le oponen los espacios tecnológicos y minimalistas por donde se mueven los hermanos (principalmente su apartamento y clínica), en los cuales predominan materiales como el acero y el cristal, las líneas rectas y los colores en tonos azulados. «La sensación es como estar en un acuario, aunque éstos sean unos peces extraños y exóticos», dice Cronenberg.



«No tenemos una visión estética total en la medida en que no asumimos el interior de nuestro cuerpo y la comprensión de nuestros órganos y su funcionamiento.
Es por consiguiente humor negro, pero también muy serio: ¿Por qué no hacer un concurso de belleza para el más bello riñón, el estómago más graciosamente formado, el hígado más exquisito?»

David Cronenberg


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GRITOS Y SUSURROS


Viskningar och Rop

Suecia, 1972. 91 min. C.

Director: INGMAR BERGMANGuión: Ingmar Bergman. Música: J.S. Bach, Fréderic Chopin. Fotografía: Sven Nykvist. Intérpretes: Harriet Andersson, Kari Sylwan, Ingrid Thulin, Liv Ullmann, Anders Ek, Inga Gill, Erland Josephson, Henning Moritzen, Georg Årlin.


«Todas mis películas se pueden pensar en blanco y negro, excepto ‘Gritos y Susurros’. La primera imagen siempre volvía: la habitación roja y las mujeres vestidas de blanco. Cuatro mujeres vestidas de blanco en una habitación roja. Se movían y se hablaban al oído, y eran extremadamente misteriosas…
El color rojo es el color del alma humana»

Ingmar Bergman


La obra de Bergman, dispuesta a explorar la condición humana, por su atrayente postura artística y filosófica, ha supuesto una de las más sabias aportaciones a la historia del cine. Gritos y Susurros, película nº 33 del director sueco, se enmarca dentro del período llamado de “expresión crítica” (1964-1980), el cual deja de banda las inquietudes puramente metafísicas y de contenido religioso y se centra más en la incomunicación y los conflictos morales de la burguesía, a menudo representados en el ámbito del matrimonio.


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A partir de la vivencia de la muerte de su adorada madre Karin Åkerblom, el maestro en desnudar el alma humana construye una de sus películas más exquisitas y a la vez más duras y sobrecogedoras. Gritos y Susurros está atravesada por un dolor agónico que produce escalofríos y apunta directamente una de las principales obsesiones de su autor: la muerte (vista actuar desde nuestra óptica externa en El Séptimo Sello y aquí más cercana). Al mismo tiempo aborda otros temas recurrentes como las relaciones familiares, la disfunción matrimonial, la soledad, la angustia existencial y la ausencia de Dios.

Gritos y Susurros es el trabajo de un cineasta amante del teatro que se sabía en la cumbre de su arte, como cuando Akira Kurosawa hizo Ran o Andrei Tarkovsky Sacrificio. Se trata de un filme de cámara con reminiscencias de la «lucha de cerebros» de August Strindberg que Bergman convierte en una obra maestra otoñal, a lo que contribuye el ritmo calmo, el cuidado y la elegancia de la puesta en escena y de la fotografía de Sven Nykvist (ganadora de un Oscar) y el espectacular y amplio elenco actoral típicamente bergmaniano (conformado por Harriet Andersson, Ingrid Thulin, Liv Ullmann y Erland Josephson).


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Viskningar och Rop es un drama hermético e inquietante que desarrolla una historia de mujeres. La acción tiene lugar en una mansión de la alta burguesía suiza (en realidad el castillo de Taxinge-Näsby) a finales del siglo XIX. La película se concentra en los dos últimos días de vida de Agnes (Harriet Andersson), a quien el dolor del cáncer terminal de útero que padece la consume por dentro. Sus dos hermanas infelizmente casadas, Karin (Ingrid Thulin) y María (Liv Ullmann), han venido a cuidarla. A Agnes la asiste su criada Ann (Kari Sylwan).

La crónica se divide en cuatro bloques que corresponden a cada una de las mujeres: tres a modo de flashbacks y otro –el dedicado a Agnes– en forma de pesadilla. Hallando alusiones bíblicas, Agnes (agnus: Cordero de Dios), la más sensible de todas y sometida al peso de un dolor extremo y a punto de morir, representaría a Cristo. La tímida y devota criada Ann cumpliría el rol de María, acompañando a Agnes en su sufrimiento (reveladora es la imagen de pietà que componen Ann y la moribunda Agnes). El contrapunto lo ponen la severa Karin y la frívola María, incapaces de mostrar cariño y consolar a su hermana enferma debido a sus taras psíquicas.


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Uno de los aspectos más destacados y atractivos de Gritos y Susurros es su sentido pictórico y el papel expresionista y tan relevante –casi definitivo– que adquiere el color, hasta el punto de poderse descifrar la película en clave de colorimetría (algo que tiene en común, por ejemplo, con El Desierto Rojo). Decía Bergman: «Todas mis películas se pueden pensar en blanco y negro, excepto ‘Gritos y Susurros'». Así, el rojo intenso que inunda paredes, suelos y mobiliario simboliza, según el director, el interior del alma y también el útero y la obscenidad. El blanco del que visten las hermanas se vincula a la virginidad y la represión sexual. Y el negro se asocia al luto y los sacerdotes. 

Gritos y Susurros es una película de miradas, gestos, distancias y silencios, de gritos y susurros. El director emplea el primer plano de los rostros y destina la cámara a escrutar el interior del personaje a través de la expresividad, algo que consigue gracias a las soberbias y concentradas interpretaciones de las cuatro actrices protagonistas (Andersson, Sylwan, Thulin y Ullmann) y de Erland Josephson (que encarna al doctor David). El complemento final a esta obra mayor de Bergman, tan desasosegante y atormentada como repleta de belleza y sensibilidad artística, son los breves fragmentos de piano de Chopin y de cello de J.S. Bach, los cuales conectan a la perfección con los sentimientos y emociones del relato.


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«Todas mis penas y dolores se habían desvanecido, los seres a quienes más quiero en este mundo, estaban allí, conmigo; percibía la presencia cercana de sus cuerpos, el calor de sus manos, quería detener el tiempo y pensaba, pase lo que pase, esto es la felicidad, la felicidad… no podría desear nada mejor. Ahora, durante estos minutos puedo gozar una absoluta plenitud, y siento una gratitud inmensa por la vida que colma, que tanto me da»

Agnes/Harriet Andersson


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TOP 45 Surrealismo


«Cuando el hombre quiso imitar la acción de andar, creó la rueda, que no se parece a una pierna. Del mismo modo ha creado, inconscientemente, el surrealismo… Después de todo, el escenario no se parece a la vida que representa más que una rueda a una pierna»

Guillaume Apollinaire, 1917


Por orden cronológico


1. ENTREACTO (Entr’acte)
René Clair (FRA, 1924). Cortometraje


2. UNA PÁGINA DE LOCURA (Kurutta ippêji)
Teinosuke Kinugasa (JAP, 1926)


3. LA ESTRELLA DE MAR (L’étoile de Mer)
Man Ray (FRA, 1928). Cortometraje


4. LA CARACOLA Y EL CLÉRIGO (La Coquille et le Clergyman)
Germaine Dulac (FRA, 1928). Cortometraje


5. UN PERRO ANDALUZ (Un Chien Andalou)
Luis Buñuel & Salvador Dalí (FRA, 1929). Cortometraje


6. LA EDAD DE ORO (L’âge d’Or)
Luis Buñuel (FRA, 1930)


7. LA SANGRE DE UN POETA (Le Sang d’un Poète)
Jean Cocteau (FRA, 1932). Mediometraje


8. MESHES OF THE AFTERNOON
Maya Deren & Alexander Hammid (EEUU, 1943). Cortometraje


9. LA BELLA Y LA BESTIA (La Belle et la Bête)
Jean Cocteau (FRA, 1946)


10. ORFEO (Orphée)
Jean Cocteau (FRA, 1950)


11. EL AÑO PASADO EN MARIENBAD (L’année dernière à Marienbad)
Alain Resnais (FRA/ITA, 1961)


12. EL ÁNGEL EXTERMINADOR
Luis Buñuel (MEX, 1962)


13. EL PROCESO (The Trial)
Orson Welles (FRA/ITA/RFA, 1962)


14. L’IMMORTELLE
Alain Robbe-Grillet (FRA/TUR/ITA, 1963)


15. FELLINI, OCHO Y MEDIO (Otto e Mezzo)
Federico Fellini (ITA/FRA, 1963)


16. EL MANUSCRITO ENCONTRADO EN ZARAGOZA (Rekopis Znaleziony w Saragossie)
Wojciech Has (POL, 1965)


17. LAS MARGARITAS (Sedmikrásky)
Vera Chytilová (CHE, 1966)


18. LA BARRERA (Bariera)
Jerzy Skolimowski (POL, 1966)


19. LA HORA DEL LOBO (Vargtimmen)
Ingmar Bergman (SUE, 1968)


20. VISUAL TRAINING
Frans Zwartjes (HOL, 1969). Cortometraje


21. EL TOPO
Alejandro Jodorowsky (MEX, 1970)


22. VIVA LA MUERTE
Fernando Arrabal (FRA/TUN, 1971)


23. MALPERTUIS (Malpertuis: Histoire d’une Maison Maudite)
Harry Kümel (BEL/FRA/ALE, 1971)


24. EL DISCRETO ENCANTO DE LA BURGUESÍA (Le Charme Discret de la Bourgeoisie)
Luis Buñuel (FRA, 1972)


25. LA CABINA (TV)
Antonio Mercero (ESP, 1972). Cortometraje


26. LA MONTAÑA SAGRADA (The Holy Mountain)
Alejandro Jodorowsky (MEX/EEUU, 1973)


27. EL PLANETA SALVAJE (La Planéte Sauvage)
René Laloux (FRA/CHE, 1973). Animación


28. EL SANATORIO DE LA CLEPSIDRA (Sanatorium pod Klepsydra)
Wojciech Has (POL, 1973)


29. IRÉ COMO UN CABALLO LOCO (J’irai comme un Cheval Fou)
Fernando Arrabal (FRA, 1973)


30. MESSIAH OF EVIL
William Huyck & Gloria Katz (EEUU, 1973)


31. UN HOMBRE QUE DUERME (Un Homme qui Dort)
Bernard Queysanne (FRA/TUN, 1974)


32. PASTORAL: TO DIE IN THE COUNTRY (Den-en ni Shisu)
Shuji Terayama (JAP, 1974)


33. CÉLINE Y JULIA VAN EN BARCO (Céline et Julie vont en Bateau)
Jacques Rivette (FRA, 1974)


34. LÈVRES DE SANG
Jean Rollin (FRA, 1975)


35. EL ANACORETA
Juan Estelrich (ESP/FRA, 1976)


36. CABEZA BORRADORA (Eraserhead)
David Lynch (EEUU, 1977)


37. HOUSE (Hausu)
Nobuhiko Ôbayashi (JAP, 1977)


38. EL CUENTO DE LOS CUENTOS (Skazka Skazok)
Yuriy Norshteyn (URSS, 1979). Cortometraje. Animación


39. LAS AVENTURAS DEL BARÓN MÜNCHAUSEN (The Adventures of Baron Münchausen)
Terry Gilliam (GB/ALE, 1988)


40. ALICE (Neco z Alenky)
Jan Švankmajer (CHE/SUI/GB/ALE, 1988). Stop motion


41. CARRETERA PERDIDA (Lost Highway)
David Lynch (EEUU/FRA, 1997)


42. OTÉSANEK (EL PEQUEÑO OTIK) (Otesánek)
Jan Švankmajer (CZE, 2000)


43. CANCIONES DEL SEGUNDO PISO (Sånger från andra våningen)
Roy Andersson (SUE/NOR/DIN, 2000)


44. MIND GAME (Maindo Gêmu)
Masaaki Yuasa (JAP, 2004). Animación


45. EL INADAPTADO (Den Brysomme mannen)
Jens Lien (NOR/ISL, 2006)


Mención extra: TETSUO, EL HOMBRE DE HIERRO (Tetsuo)
Shinya Tsukamoto (JAP, 1989)


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TOP 35 Personajes de cine de terror


1. Conde Orlok (Max Schreck)
En Nosferatu. F. W. Murnau, 1922


2. Nosferatu (Klaus Kinski)
En Nosferatu, Vampiro de la Noche. Werner Herzog, 1979


3. La momia Im-Ho-Tep & Ardath Bey (Boris Karloff)
En La Momia. Karl Freund (Universal), 1932


4. El Monstruo de Frankenstein (Boris Karloff)
En El Doctor Frankenstein. James Whale (Universal), 1931

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5. Drácula (Christopher Lee)
En Drácula, Príncipe de las Tinieblas. Terence Fisher (Hammer), 1966

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6. Erik, el fantasma de la Ópera (Lon Chaney)
En El Fantasma de la Ópera. Rupert Julian (Universal), 1925


7. Roderick Usher (Vincent Price)
En La Caída de la Casa UsherRoger Corman, 1960

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8. Drácula (Bela Lugosi)
En Drácula. Tod Browning & Karl Freund (Universal), 1931


9. Carrie White (Sissy Spacek)
En Carrie. Brian de Palma, 1976


10. Barón Victor von Frankenstein (Peter Cushing)
En El Cerebro de Frankenstein. Terence Fisher (Hammer), 1969

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11. Dr. Bernard Hichcock (Richard Flemyng)
En El Horrible Secreto del Dr. Hichcock. Riccardo Freda, 1962

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12. Dr. Caligari & Cesare, el sonámbulo (Werner Krauss & Conrad Veidt)
En El Gabinete del Doctor Caligari. Robert Wiene, 1920

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13. Dr. Van Helsing (Peter Cushing)
En Drácula. Terence Fisher (Hammer), 1958

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14. Frank Zito (Joe Spinell)
En Maniac. William Lustig, 1980


15. Norman Bates (Anthony Perkins)
En Psicosis. Alfred Hitchcock, 1960


16. Nola Carveth (Samantha Eggar)
En Cromosoma 3. David Cronenberg, 1979

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17. Waldemar Daninsky, el hombre lobo (Paul Naschy)
En la saga de Waldemar Daninsky, 1968-2004

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18. Dr. Freudstein (Giovanni De Nava)
En Aquella Casa al Lado del Cementerio. Lucio Fulci, 1981


19. Dr. Vitus Werdegast & Hjalmer Poelzig (Bela Lugosi & Boris Karloff)
En Satanás. Edgar G. Ulmer (Universal), 1934


20. La bruja Asa & Katia Vajda (Barbara Steele)
En La Máscara del Demonio. Mario Bava, 1960

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21. Dr. Jekyll & Mr. Hyde (Fredric March)
En El Hombre y el Monstruo. Rouben Mamoulian, 1931

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22. La gorgona Megara (Prudence Hyman)
En La GorgonaTerence Fisher (Hammer), 1964


23. El Golem (Paul Wegener)
En El Golem. Paul Wegener & Carl Boese, 1920


24. Regan (Linda Blair)
En El Exorcista. William Friedkin, 1973

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25. Christiane (Edith Scob)
En Los Ojos sin Rostro. Georges Franju, 1960

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26. Michael Myers (Nick Castle)
En La Noche de Halloween. John Carpenter, 1978

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27. Dr. Gogol (Peter Lorre)
En Las Manos de Orlac. Karl Freund, 1935

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28. Carrefour (Darby Jones)
En Yo Anduve con un Zombie. Jacques Tourneur, 1943


29. Iris (Franca Stoppi)
En Buio Omega. Joe D’Amato, 1979


30. La condesa Elizabeth Bathory (Delphine Seyrig)
En El Rojo en los Labios. Harry Kümel, 1971


31. La Novia de Frankenstein (Elsa Lanchester)
En La Novia de Frankenstein. James Whale (Universal), 1935


32. Bub (Sherman Howard)
En El Día de los Muertos. George A. Romero, 1985


33. Los zombis templarios de Amando de Ossorio
La tetralogía de los Templarios Ciegos, 1972-1975


34. El conde Zaroff (Joel McCrea)
En El Malvado Zaroff. Irving Pichel & Ernest B. Schoedsack, 1932


35. Herbert West (Jeffrey Combs)
En Re-Animator. Stuart Gordon, 1985


Mención extra: Claire Niveau (Geneviève Bujold)
En Inseparables. David Cronenberg, 1988

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GABINETE DEL DOCTOR CALIGARI, EL


Das Kabinett des Dr. Caligari

Alemania, 1920. 63 min. B/N

Director: ROBERT WIENE. Guión: Carl Mayer, Hans JanowitzMúsica: Muda. Fotografía: Willy Rameister. Intérpretes: Werner Krauss, Conrad Veidt, Friedrich Feher, Lil Dagover, Rudolf Klein-Rogge, Hans Heinz von Tawardowski.


«Por la tarde se cumplirá mi deseo más ferviente. Solucionaré el secreto psiquiátrico de Caligari. Averiguaré si es posible obligar a un sonámbulo a cometer acciones que en su estado de vigilia no cometería, las cuales incluso abominaría. Quiero saber si es posible empujar a una persona que duerme hasta el asesinato»

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Película muda dirigida por el alemán Robert Wiene (1873-1938), hijo del actor Carl Wiene y que inició su carrera en el mundo del teatro para después vincularse al cine. El guión, inspirado en hechos reales sucedidos en la ciudad de Hamburgo, fue escrito por Carl Mayer (colaborador de F.W. Murnau) y Hans Janowitz y recoge ideas de Fritz Lang, a quien se le ofreció el proyecto de inicio. El diseño corrió a cargo de Walter Reimann, Walter Röhrig y Hermann Warm, éste pintor vanguardista interesado en el cubismo. Producida por la legendaria UFA y filmada en el estudio Lixie-Atelier y con un presupuesto de 20.000 DM se vio por primera vez en público el 26-II-1920 (sala Marmorhaus, Berlín). Fue estrenada en copias coloreadas en diversos tintes, siendo exhibida posteriomente cortada y en blanco y negro.


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El Gabinete del Dr. Caligari es la demostración de que el cine puede ser vehículo del arte. El filme de Robert Wiene, realizado en 1920 (mismo año de El Golem, de Paul Wegener y Carl Boese, y De la Mañana a la Medianoche, de Karl Heinz Martin, dos títulos también muy relevantes del movimiento), es la obra fundacional y paradigmática, sin descendencia conocida, de un tipo de cine fantástico y estrafalario que floreció en la Alemania de los años veinte, vinculado al Expresionismo alemán (que ya había calado en la pintura, literatura y teatro) y que se dio a conocer como cine expresionista alemán. Este tipo de cine de posguerra –si bien no fueron tantas las películas representativas– rompía los modelos estéticos prevalentes y «pareció insistir en acentuar su carácter enigmático, macabro, siniestro y mórbido, reflejando el proceso de repliegue ‘en la profundidad del alma’ que llevó a cabo la población durante este periodo de incertidumbre», en palabras de Sigfried Kracauer.

Además de su condición de película artística y de culto primigenio, El Gabinete del Dr. Caligari es uno de los títulos clave del género de terror, probablemente su primer filme realmente verdadero. Su influencia, tanto a nivel temático como estético y visual, ha sido muy importante en el cine posterior, desde el resto de la obra expresionista (Algol, Nosferatu, El Doctor Mabuse o la tardía M), el cine de terror de la Universal (Frankenstein, Satanás), el avant-garde cinema de los Estados Unidos (Meshes of the Afternoon) y el cine negro clásico (Perdición, Retorno al Pasado) hasta llegar a nuestros días.


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El significado último del relato, pese a no residir aquí el interés, resulta aún hoy un enigma y ha dado lugar a singulares conjeturas. La historia está contada de forma retrospectiva por Francis (Friedrich Feher), un hombre que trata de resolver los extraños y estremecedores crímenes que se vienen produciendo en su pequeña localidad, Holstenwall, asociados con un sonámbulo de nombre Cesare (el escuálido Conrad Veidt) y su amo el Dr. Caligari (Werner Krauss). Caligari, un feriante y artista de la hipnosis, tiene un espectáculo donde exhibe a su esclavo, al que le atribuye la capacidad de adivinar el futuro. Durante la noche, Cesare, que vive en un ataúd, recorre las callejuelas de la villa asesinando a quien su amo le ordena. Al final, la narrativa regresa al presente, cuando Francis concluye su historia antes del último giro.

Rodada durante la República de Weimar (1918-1933), muchos han visto en El Gabinete del Dr. Caligari una reflexión pesimista sobre la Alemania de posguerra o una premonición del ascenso del partido nazi al poder, asemejando al sonámbulo Cesare con las masas populares teledirigidas y a Caligari con un líder irracional. El citado Siegfried Kracauer, en su influyente libro «De Caligari a Hitler» (1947), dice que la película refleja una «subconsciente necesidad de un tirano en Alemania y es un ejemplo de la obediencia a la autoridad trastornada y la renuncia a rebelarse contra ella». En cualquier caso, el filme explora el lado oscuro de la condición humana y viene en proyectar, con altas dosis de bizarrismo, temas como la violencia, la manipulación, el miedo y la dualidad.


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Esencialmente, El Gabinete del Dr. Caligari debe relacionarse con toda esa estética de pesadilla –que lo es todo– como coherente plasmación del entorno de una mente enferma y una visión completamente retorcida de las cosas. El mundo caligariano está hecho de espacios claustrofóbicos y sombras amenazadoras y fluctúa entre el sueño, la perversión y el puro delirio. Los personajes, provistos de maquillaje y vestuario siniestro, transitan como espectros o meros autómatas. La película está rodada enteramente en un estudio sin tomas de exteriores y los sets están hechos a base de telas pintadas y dibujos de líneas curvas y oblicuas y de calles estrechas y en espiral, de tejados puntiagudos y de ventanas inclinadas, lo que acentúa la sensación de ansiedad y opresión.

Das Kabinett des Dr. Caligari es como volver al estilo de Georges Méliès al presentar efectos teatrales que exageran o caricaturizan la realidad, si bien ahora están atravesados por las macabras trazas del Expresionismo alemán. La ópera prima de Robert Wiene, sobre la cual el crítico Frédéric-Philippe Amiguet dijo que «tiene un olor de comida contaminada» y «deja un sabor de cenizas en la boca», es más que un simple museo arqueológico en movimiento y permanece, transcurrido ya casi un siglo desde su realización, como un espécimen único y de inevitable referencia en la historia del séptimo arte.


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«Al principio lento, deliberadamente laborioso, intenta irritar. Entonces cuando los motivos en zigzag de la feria comienzan a girar, el paso salta hacia adelante, ‘agitato’, ‘accelerando’, y se detiene sólo hasta la palabra ‘Fin’, tan abruptamente como una bofetada en el rostro»

Luous Delluc