¿QUÉ HABÉIS HECHO CON SOLANGE?

Cosa avete fatto a Solange?

Italia, Alemania, 1972. 103 min. C

Director: MASSIMO DALLAMANO. Guión: Massimo Dallamano, Bruno Di Geronimo. Música: Ennio Morricone. Fotografía: Aristide Massaccesi (Joe D’Amato). Intérpretes: Fabio Testi, Cristina Galbó, Karin Baal, Joachim Fuchsberger, Günther Stoll, Claudia Butenuth, Camille Keaton, Maria Monti.

«Su trazado argumental sirve para mostrar el lado más oscuro de nuestra sociedad, su doppelgänger subterráneo, siniestro, armado de una conciencia tiránica y destructiva capaz de corromper la calma de su sistema político, económico y moral burgués»

Antonio J. Navarro, sobre Edgar Wallace y el Krimi

¿Qué habéis hecho con Solange? es uno de los mejores y más innovadores gialli de la época dorada del subgénero, no obstante apartada de los excesos barrocos de Mario Bava y Dario Argento, quienes por entonces trazaban una serie de normas asumidas para el giallo. Massimo Dallamano, conocido por haber trabajado con Sergio Leone como director de fotografía, ofrece una película estéticamente contenida y de ritmo calmo, aunque también truculenta y de atmósfera enviciada. Y es que el filme, construido a partir de pistas falsas y giros argumentales, se aproxima más al drama criminal tipo krimi alemán que a las estridencias típicas del giallo canónico.

¿Qué habéis hecho con Solange?, cuyo título identifica la clave de misterio, se desarrolla en un prestigioso colegio católico de señoritas de Londres, el St. Mary’s, inmaculado en la superficie pero tras cuyos muros rezuma podredumbre moral e hipocresía. Mientras, un asesino sádico y enguantado no identificado empieza a matar a las alumnas hundiéndoles un cuchillo en la vagina. La película, apoyada por la excelente fotografía del pringoso Aristide Massaccesi (Joe D’Amato) y musicalizada por Ennio Morricone, pinta un ambiente otoñal y de entornos bucólicos, empapándose progresivamente de un espeso clima familiar y un halo de angustia malsana. Toda una vicenda morbosa, a la postre también gótica, mezcla de adolescencia aputanada y fanatismo religioso.

Fabio Testi, en el papel de apuesto profesor de italiano y de dudosa reputación por su affaire extramatrimonial con una de sus alumnas post-adolescentes (la española Cristina Galbó), comparte pantalla con Joachim Fuchsberger, el veterano actor fetiche del ciclo Edgar Wallace, quien encarna al comisario de Scotland Yard que investiga los crímenes. Camille Keaton, la sobrina-nieta de Buster Keaton y protagonista años más tarde de La Violencia del Sexo, es la actriz que da vida a Solange, cuya presencia en la película se retrasa hasta pasada una hora de metraje, cuando el personaje pasa a ser el eje de la historia.

A pesar del cosmopolitismo de su producción y reparto, ¿Qué habéis hecho con Solange? logra una notable unidad de estilo gracias a la dirección de Dallamano. El cineasta, sin incidir demasiado en la violencia y otorgando más importancia a su estructura de whodunit, sí que pone el acento en otro de los aspectos recurrentes del giallo: el erotismo y el sexo oblicuo (lesbianismo, efebofilia, voyeurismo, bondage), beneficiándose de la ambientación en un internado sólo para mujeres y explotando el morbo de contar con una pléyade de actrices jóvenes y turgentes.

Al igual que otros gialli de la época, como Una Lagartija con Piel de Mujer o Todos los Colores de la Oscuridad, Dallamano aprovecha el marco londinense en el que transcurre la historia para optar por una puesta en escena sobria, que recuerda la flema británica de Hitchcock. Aún así, el director se permite varias salidas de tono puntuales, como la set piece del asesinato de la Galbó en la bañera, que resulta tan o más perturbador que la muerte del resto de víctimas y que remitía a la famosa escena de Seis Mujeres para el Asesino.

¿Qué habéis hecho con Solange? es una agradecida reformulación del universo giallo. Técnicamente intachable y sorprendentemente lógica, su peculiar mezcla de influencias y la preocupación de su realizador por fuentes de expresión ajenas al giallo la han convertido en una rareza exitosa, aunque alejada del influjo de otras películas más populares del género.

HIROSHIMA, MON AMOUR

Hiroshima Mon Amour

Francia, Japón, 1959. 88 min. B/N

Director: ALAIN RESNAIS. Guión: Marguerite Duras. Música: Georges Delerue, Giovanni Fusco. Fotografía: Sacha Vierny, Takahashi Michio. Intérpretes: Emmanuelle Riva, Eiji Okada, Bernard Fresson, Stella Dassas, Pierre Barbaud.

«Me matas, me das placer. Te lo ruego, devórame. Defórmame hasta la fealdad»

Ella/Emmanuelle Riva a Él/Eiji Okada

Alain Resnais fue uno de los destacados de la Nouvelle Vague, más exactamente del grupo desviacionista de la Rive Gauche que surgió en paralelo al de Cahiers du Cinéma. Inquieto intelectualmente, su obra estuvo próxima a los postulados de la Nouveau Roman, un movimiento literario que hacía furor en la París de los años cincuenta y que rechazaba el estilo naturalista de la novela tradicional y abogaba por planteamientos experimentales en la narración. El cineasta de la Memoria y el Tiempo (consideración que comparte con su compatriota Chris Marker) aplicó su peculiar filtro al lenguaje cinematográfico y, rompiendo sus ordinarias normas estéticas y psicológicas, revolucionó el concepto del montaje y no cesó de explorar el vínculo imagen-palabra. Decía Resnais: «Mis películas son un intento, aún muy tosco y primitivo, de acercamiento a la complejidad del pensamiento, de su mecanismo… Todos tenemos dentro imágenes, cosas que nos determinan y que no son una sucesión lógica de actos perfectamente encadenados. Me parece interesante explorar ese mundo del subconsciente, desde el punto de vista de la verdad, no de la moral».

Su ópera prima, Hiroshima, Mon Amour (1959), y El Año Pasado en Marienbad (1961) colocan a Alain Resnais en la vanguardia de un cine europeo complejo, «intelectual» y muy diferenciado del resto. A este corpus inicial, al que siguió Muriel y La Guerra ha Terminado, hay que sumarle otras películas y casi treinta cortometrajes-documentales subjetivos que ahondan en su obsesión por el tiempo, la cultura y la historia. Entre ellos destacan dos ensayos que están atravesados por un aliento lírico e íntimo cautivador: Las Estatuas también Mueren (1953), codirigido por Chris Marker y que versa sobre la interpretación colonialista de las obras de arte, y Noche y Niebla (1955), filmado en el campo de Auschwitz y que rememora la tragedia del exterminio nazi.

Hiroshima, 1957, donde el 6 de Agosto de 1945 a las 8’15 h. 200.000 personas murieron en solo nueve segundos. Una francesa de la que no conocemos su nombre (encarnada por Emmanuelle Riva, que ese mismo año rodó Kapo, de Gillo Pontecorvo) y un japonés igualmente anónimo (Eiji Okada) se conocen en la ciudad post-atómica y mantienen una fugaz relación sentimental durante dieciséis horas antes de que la mujer regrese a Europa. Ella es actriz, casada y está en Hiroshima para interpretar un papel en un filme de propaganda pacifista. Él, también casado («felizmente» añade), vive en un piso y es arquitecto. Ninguno vivió los terribles sucesos de Hiroshima, una ciudad que quedó devastada y que doce años después trata de resurgir de sus cenizas. La película comienza con insertos documentales de la masacre causada por la bomba; después se centra más en el desarrollo del romance, el cual alterna fases de apasionamiento con otras de incertidumbre. La yuxtaposición de la ternura y los horrores de la guerra harán que la mujer recuerde su pasado en la ciudad francesa de Nevers durante la II Guerra Mundial, cuando siendo casi una niña y coincidiendo en el tiempo con el bombardeo sobre Hiroshima se enamoró por primera vez de un oficial alemán, el hombre cuya muerte la condujo al umbral de la locura.

Hiroshima, por donde los amantes pasean y hablan, como Nevers, es una ciudad «hecha a la medida del amor». No tienen muchas horas por delante y todavía deben decirse adiós, aunque su amor caerá en el olvido. Porque el de ellos es un amor imposible, uno muy intenso nacido de un encuentro efímero y sin exigencia de futuro: «Dentro de unos años, cuando te haya olvidado y otras historias como ésta, por la fuerza misma de la costumbre surjan ante mí, me acordaré de ti como del olvido del amor mismo. Pensaré en nuestra historia como en el horror del olvido», aventura él cuando la despedida se anuncia inevitable. «Es probable que nos muramos sin habernos vuelto a ver», concluye ella. En cuanto a la identidad de los «desconocidos», si bien no llegaremos a conocer los nombres reales de ellos, ya que no se desvelan, en la escena final de la película ellos mismos se pondrán uno: «Nevers» es el nombre que él le pone a ella y «Hiroshima» el que ella le pone a él.

Resnais comenzó a trabajar en Hiroshima, Mon Amour con la intención de hacer un documental sobre las devastadoras consecuencias de la bomba atómica, idea que abandonó a mitad de proyecto, cuando lo transformó en película al incluir una historia de amor. El guión, que fue inicialmente rechazado por Françoise Sagan, lo escribió de forma semiautobiográfica Marguerite Duras, una de las voces preeminentes de la Nouveau Roman. Influenciado por la escritura libre de Duras y en búsqueda de nuevos medios de expresión, más literarios e introspectivos, Resnais emplea una compleja estructura de flashbacks que gradualmente revelan el pasado y se introducen en el presente. Así, la atemporalidad no viene dada por el salto temporal al uso, sino por la simultaneidad derivada del montaje: el tiempo fílmico no coincide con el real de la historia, sino con el mental de la protagonista. Las analogías de las dos historias de amor, la del pasado en Nevers y la del presente en Hiroshima, se funden en un mismo tiempo psiconarrativo. «Ya han pasado catorce años. Casi no puedo recordar como eran sus manos. Pero del dolor aún me acuerdo un poco. Esta noche recuerdo como era. Pero llegará un día en que ya no recordaré nada», le dice la mujer al hombre.

Hermética y hecha de sombras fantasmagóricas, de discurrir hipnótico y fotografiada con grises delicados, el filme está escrito en prosa poética y posee diálogos tan profundos que rozan lo metafísico. Los dos actores, aquejados sus personajes de amor fou y dolor, están en estado de gracia y ofrecen unas interpretaciones de gran poder de concentración y afectación emocional, especialmente Emmanuelle Riva. Resnais, además, se sirve de breves e intensos primeros planos de rostros, los cuales cortan el ritmo narrativo pero buscan captar el mínimo detalle y el gesto preciso. El conjunto se completa con una banda sonora minimalista y sugerente que incluye un vals y casa perfectamente con las imágenes, habitándolas y viviendo a través de ellas. Mediante la imbricación de memoria y olvido, Resnais crea una de las historias de amor más bellas, tristes y enigmáticas del cine y, capaz de traspasar la esfera íntima de la pareja para asumir una visión ampliada de la tragedia colectiva, denuncia el horror de la guerra nuclear con la esperanza de que su toma de conciencia sirva para que no vuelva a repetirse. No menos importante resulta la catalogación de Hiroshima, Mon Amour como un icono de la modernidad fílmica, permaneciendo aquella inalterable después de transcurridos sesenta años desde su estreno. El debut de Resnais es, ineludiblemente, una obra maestra del cinéma d’auteur europeo y una de las reflexiones más bellas y desgarradoras sobre el amor y la guerra de las historia del cine.

– Me das muchas ganas de amar – dice él.

– Tiemblo de haber olvidado tanto amor – dice ella.

TOP 10 Orson Welles

ORSON WELLES (Kenosha, Wisconsin, EEUU, 1915 – Hollywood, Los Ángeles, California, EEUU, 1983)
Director, actor, guionista y productor de cine. Renovador del lenguaje fílmico y maestro de la puesta en escena

 «Es imposible hacer una buena película sin una cámara que sea como un ojo en el corazón de un poeta»

Orson Welles

1. CIUDADANO KANE 
Citizen Kane (EEUU, 1941)

2. OTELO
The Tragedy of Othello: The Moor of Venice (MAR/EEUU/ITA/FRA, 1952)

3. EL CUARTO MANDAMIENTO
The Magnificent Ambersons (EEUU, 1942)

4. MACBETH
Macbeth (EEUU, 1948)

5. SED DE MAL
Touch of Evil (EEUU, 1958)

6. CAMPANADAS A MEDIANOCHE
Falstaff – Chimes at Midnight (ESP/SUI/FRA, 1965)

7. EL PROCESO
The Trial (FRA/ITA/RFA, 1962)

8. LA DAMA DE SHANGHAI
The Lady from Shanghai (EEUU, 1947)

9. EL EXTRAÑO (EL EXTRANJERO)
The Stranger (EEUU, 1946)

10. MR. ARKADIN
Mr. Arkadin (Confidential Report) (FRA/ESP/SUI, 1955)

Mención extra: FRAUDE
F. for Fake (FRA/IRA/ALE, 1973). Documental

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TOP 30 Cine abyecto

ABYECTO:
1. [persona] Que comete actos despreciables o viles.
2. [acto] Que es despreciable o vil.

Por orden cronológico

1. EL FOTÓGRAFO DEL PÁNICO (Peeping Tom)
Michael Powell (GB, 1960)

2. EL CUERPO Y EL LÁTIGO (La Frusta e il Corpo)
Mario Bava (ITA/FRA, 1963)

3. EL INCINERADOR DE CADÁVERES (Spalovac Mrtvol)
Juraj Herz (CHE, 1969)

4. THRILLER. A CRUEL PICTURE (Thriller – En Grym Film)
Bo Arne Vibenius (SUE, 1973)

5. LOVE ME DEADLY
Jacques Lacerte (EEUU, 1973)

6. ILSA, LA LOBA DE LA SS (Ilsa, She Wolf of the SS)
Don Edmons (EEUU/RFA, 1974)

7. SALÓ, O LOS 120 DÍAS DE SODOMA (Salò o le 120 Giornate di Sodoma)
Pier Paolo Pasolini (ITA/FRA, 1975)

8. VASE DE NOCES (THE PIG FUCKING MOVIE)
Thierry Zéno (BEL, 1975)

9. BREAKING POINT
Bo Arne Vibenius (SUE, 1975)

10. L’UOMO, LA DONNA E LA BESTIA – SPELL (DOLCE MATTATOIO)
Alberto Cavallone (ITA, 1977)

11. ISLAND OF DEATH (Ta paidia tou Diavolou)
Nico Mastorakis (GRE/EEUU, 1977)

12. ROSTROS DE MUERTE (Faces of Death)
John Alan Schwartz (EEUU, 1978). Mondo

13. LA VENGANZA DE BABY SIMONA (L’immoralità)
Massino Pirri (ITA, 1978)

14. DEMENCIA (Buio Omega)
Joe D’Amato (ITA, 1979)

15. GIALLO A VENEZIA
Mario Landi (ITA, 1979)

16. MANIAC
William Lustig (EEUU, 1980)

17. HOLOCAUSTO CANÍBAL (Cannibal Holocaust)
Ruggero Deodato (ITA, 1980)

18. EL DESCUARTIZADOR DE NUEVA YORK (Lo Squartatore di New York)
Lucio Fulci (ITA, 1982)

19. LA ANGUSTIA DEL MIEDO (Angst)
Gerald Kargl (AUT, 1983)

20. COMBAT SHOCK
Buddy Giovinazzo (EEUU, 1984)

21. GUINEA PIG 2: FLOWERS OF FLESH AND BLOOD (Ginî Piggu 2: Chiniku no Hana)
Hideshi Hino (JAP, 1985). Mediometraje

22. NEKRomantik 1 & 2
Jörg Buttgereit (RFA, 1987-1991)

23. TRAS EL CRISTAL
Agustí Villaronga (ESP, 1987)

24. LOS HOMBRES DETRÁS DEL SOL (Hei Tai Yang 731)
Mou Tun-Fei (HK/CHI, 1988)

25. EL REY DE LA MUERTE (Der Todesking)
Jörg Buttgereit (RFA, 1990)

26. BEGOTTEN
E. Elias Merhige (EEUU, 1991)

27. SOLO CONTRA TODOS (Seul Contre Tous)
Gaspar Noé (FRA, 1998)

28. AUDITION (Ôdishon)
Takashi Miike (JAP, 1999)

29. A SERBIAN FILM (Srpski Film)
Srdjan Spasojevic (SRB, 2010)

30. THE BUNNY GAME
Adam Rehmeier (EEUU, 2010)

Mención extra: THE HUMAN CENTIPEDE 2 (FULL SEQUENCE)
Tom Six (HOL/EEUU/GB, 2011)

TOP 10 Luis Buñuel

LUIS BUÑUEL (Calanda, Teruel, España, 1900 – Ciudad de México, México, 1983)
Padre del surrealismo cinematográfico. Ateo, gracias a Dios

«La ciencia no me interesa. Me parece presuntuosa, analítica y superficial.
Ignora el sueño, el azar, la risa, el sentimiento y la contradicción, cosas todas que me son preciosas»

Luis Buñuel

1. EL ÁNGEL EXTERMINADOR
MEX, 1962

2. VIRIDIANA
ESP, 1961

3. NAZARÍN
MEX, 1959

4. SIMÓN DEL DESIERTO
MEX, 1965. Mediometraje

5. TRISTANA
ESP, 1970

6. LOS OLVIDADOS
MEX, 1950

7. EL DISCRETO ENCANTO DE LA BURGUESÍA (Le Charme Discret de la Bourgeoisie)
FRA, 1972

8. ÉL
MEX, 1953

9. ENSAYO DE UN CRIMEN
MEX, 1955

10. LA EDAD DE ORO (L’âge d’Or)
FRA, 1930

Mención extra: UN PERRO ANDALUZ (Un Chien Andalou)
FRA, 1929. Cortometraje

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HAVRE, EL

Le Havre

Finlandia, Francia, Alemania, 2011. 93 min. C

Director: AKI KAURISMÄKI. Guión: Aki Kaurismäki. Música: Varios. Fotografía: Timo Salminen. Intérpretes: André Wilms, Kati Outinen, Jean-Pierre Darroussin, Blondin Miguel, Elina Salo, Jean-Pierre Léaud, Evelyne Didil.

 «Uno de los secretos profundos de la vida es que lo único que merece la pena hacer es lo que hacemos por los demás»

Lewis Carroll

Tras cinco años de inactividad, el incomparable Aki Kaurismäki (Orimattila, Finlandia, 1957) se reencuentra con su particular estilo en El Havre (Le Havre, 2011), con una frialdad melodramática que se convierte en verdadera emoción (no sensiblera). Heredero del cine clásico y del llamado cine moderno, Kaurismäki escribe, dirige, produce y rueda en Francia (concretamente en Le Havre, Normandía) un homenaje al sector más sobrio, poético, romántico y elegante de la cinematografía francesa: Bresson, Carné, Renoir, Tati, Melville. Ganadora del premio FIPRESCI en Cannes, la película nº 16 de l’enfant terrible europeo tiene la insólita virtud de hacerte salir del cine con una sonrisa reconfortante y siendo mejor persona.

Le Havre narra la historia de Marcel Marx (André Wilms), un escritor bohemio y exiliado voluntariamente en la ciudad portuaria de Le Havre, donde se gana la vida, con orgullo, como limpiabotas en la estación de ferrocarril. Está casado con su amada Arletty (la rubia fetiche Kati Outinen, en su décima colaboración con el director), una mujer buena que enferma de gravedad (al final salvada milagrosamente) y tiene una perra que se llama Laika (otra vez el perro en Kaurismäki, inseparable compañero). El destino hace que Marcel se encuentre con Idrissa (Blondin Miguel), un niño africano fugado del container en el que ha viajado desde Gabón, su país de origen. El optimista de buen corazón Marcel luchará contra los insensibles mecanismos del Estado y hará suya la misión de conseguir que el joven llegue al East End londinense para reunirse con su madre, también inmigrante ilegal.

Le Havre es una fábula poética sobre la indiferencia humana y su reverso: la solidaridad. «Es puro corazón, romántica y optimista», dice Kaurismäki. El finlandés, que siempre busca en la bondad del espíritu la clave para solucionar los problemas, trata la fraternidad obrera y el tema de la inmigración ilegal desde el África subsahariana. No obstante, –y ello es lo que le hace grande–, tiene la nada habitual capacidad de, partiendo del realismo, alcanzar el Neorrealismo y llegar al sueño: «Como no soy verdaderamente un director documental ni político he hecho un cuento de hadas».

Como es norma en el universo melancólico de Kaurismäki, la película se puebla de personajes extravagantes, tiernos, entrañables y pudorosamente inexpresivos. Desde los humildes pequeños comerciantes del barrio hasta el hosco pero al final benévolo inspector de policía (Jean-Pierre Darroussin) muchos parecen sacados de un cómic que, de repente, ha cobrado vida. En el filme aparecen el cómico Pierre Etaix (en el papel de médico) y Jean-Pierre Léaud (el chico de Los 400 golpes, ahora con 67 años, como vecino delator). Tampoco falta el habitual humor seco y excéntrico, el fetichismo objetual de colores chillones y la actuación musical y en vivo de rockeros de vieja estirpe, en este caso Little Bob (un grupo de rock francés –y nombre de su vocalista– comparado con los primeros AC/DC), a quien la comunidad recluta para dar un concierto para sufragar la partida de Idrissa.

El hasta ahora último filme del finlandés es otra muestra de imperdible valor ético y estético dentro de su personalísima obra. Kaurismäki es un cineasta inteligente y de mirada cínica y anticapitalista que rehúye las tentaciones moralistas y los etiquetados políticamente correctos y crea un mundo aparte, tan humano como (im)posible, tan bello como absurdo. Como apunta Daniel Andreas, «en el arte en general, el realismo no es sino un estorbo a la hora de capturar y disecar la realidad; y, en el cine en particular, la conciencia social no es necesariamente sinónimo de sensiblería». Le Havre, con todo, es una película social optimista y llena de cariño, pero realizada por un director pesimista.

«Me gustan los seres humanos, los árboles, los animales. Y odio cualquier tipo de odio, excepto entre amigos. Siempre pienso que sólo se puede odiar a un amigo, por un momento. Luego, te tomas una cerveza, si no está prohibida, y vuelves a quererlo»

Aki Kaurismäki

– «¿No se cansan acaso los locos?»

– «¡Cómo podrían cansarse los locos!»

Niños en la Carretera. Franz Kafka

TOP 10 John Carpenter

JOHN CARPENTER (Carthage, Nueva York, EEUU, 1948) 
Director, productor, guionista y compositor de bandas sonoras. Carpintero del fantástico y de la Serie B

«Todos mis filmes son westerns»

John Carpenter

1. LA NOCHE DE HALLOWEEN
(Halloween, 1978)

2. LA COSA (EL ENIGMA DE OTRO MUNDO)
(The Thing, 1982)

3. ESTÁN VIVOS
(They Live, 1988)

4. LA NIEBLA
(The Fog, 1980)

5. ASALTO A LA COMISARÍA DEL DISTRITO 13
(Assault on Precinct 13, 1976)

6. GOLPE EN LA PEQUEÑA CHINA
(John Carpenter’s Big Trouble in Little China, 1986)

7. EL PRÍNCIPE DE LAS TINIEBLAS
(Prince of Darkness, 1987)

8. 1997: RESCATE EN NUEVA YORK
(Escape from New York, 1981)

9. EN LA BOCA DEL MIEDO
(In the Mouth of Madness, 1995)

10. STARMAN
(Starman, 1984)

Mención extra: EL FIN DEL MUNDO EN 35 MM
(Cigarette Burns, 2005). Masters of Horror Series (TV)

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NOCHE DEL CAZADOR, LA

The Night of the Hunter

Estados Unidos, 1955. 93 min. B/N

Director: CHARLES LAUGHTON. Guión: James Agee (Novela: David Grubb). Música: Walter Schumann. Fotografía: Stanley Cortez. Intérpretes: Robert Mitchum, Billy Chapin, Sally Ann Bruce, Shelley Winters, Lillian Gish, Peter Graves, Evelyn Varden, James Gleason.

«El viento sopla y la lluvia es fría, los niños son duros, saben aguantar.
Los niños lo soportan todo»

Rachel Cooper/Lillian Gish

La profunda West Virginia, años treinta, en la sombría época de la Depresión. Ben Harper (Peter Graves) roba un banco y esconde el botín dentro una muñeca, que la confía bajo promesa a sus hijos pequeños John (Billy Chapin) y Pearl (Sally Ann Bruce) antes de ser detenido. Esperando su ejecución, comparte celda con Harry Powell (Robert Mitchum), un fanático religioso de mente enferma que oye en sueños la historia. Cuando Powell obtiene la libertad, obsesionado por apoderarse del botín, va al pueblo de los Harper, corteja a su viuda Willa (Shelley Winters) y se casa con ella. Tras asesinarla, los niños John y Pearl serán su único obstáculo, los cuales huyen río abajo con el dinero. Comienza así una persecución terrorífica, que cautiva sin descanso por la fuerza de sus imágenes y la potencia del relato.

«Desconfiad de los falsos profetas que se cubren con pieles de cordero pero que en su interior son fieros como lobos. Por sus frutos los conoceréis». Con esta advertencia que una anciana lee a unos niños en medio de un cielo estrellado, comienza una de las películas más perturbadoras y fascinantes de la historia. La Noche del Cazador está basada en la novela homónima de Davis Grubb (1953), cuyo argumento se inspira en la historia real de Harry Powers, un serial killer que fue ahorcado en 1932 por los asesinatos de dos viudas y tres niños en Moundsville. El filme es una fábula sobre la psicopatía y la fe, cuya moral engarza con la protección de la infancia en un mundo adulto marcado por la hipocresía y la avaricia. Laughton –que decían que tenía fobia a los niños y que fue Mitchum quien dirigió las escenas con ellos– proyecta la clásica confrontación del Bien contra el Mal y contrapone el amor con el odio, la luz con la oscuridad, la presa con el cazador y la inocencia con el pecado.

Robert Mitchum, en el papel de Harry Powell (ofrecido en un primer momento a Gary Cooper), interpreta con brillantez y total naturalidad a uno de los villanos más conseguidos, embaucadores y malvados del cine. El falso predicador Powell, lleno de capas psicológicas y con las palabras love y hate tatuadas en los nudillos, se dedica a asesinar a mujeres «impías» con su navaja automática mientras recita pasajes de la Biblia. En el polo opuesto se encuentra la que fue musa del cine mudo, Lillian Gish, que encarna a la anciana Rachel y representa la bondad y la dulzura, protegiendo con coraje en su granja a los desamparados niños.

El guión de La Noche del Cazador se asemeja a un siniestro cuento de hadas tipo «Hansel y Gretel», donde no falta una promesa perversa, unos infantes aterrados, un ogro colérico y una hada madrina. Charles Laughton utilizó estilizadas formas estéticas y elementos de carácter onírico y alegórico para transmutar la película en una inquietante y sugerente pesadilla, «una pesadilla de Mamá Ganso», según sus propias palabras. La cinta está repleta de momentos imborrables, como la «aparición» de Shelley Winters, asesinada y atrapada debajo de las aguas del pantano, o el de los niños descendiendo en barca durante la noche con primeros planos de la extraña fauna y flora.

Rodada en pulcro blanco y negro y provista de sombras expresionistas, La Noche del Cazador destaca por la exacerbada imaginería visual que destilan sus imágenes, obtenida gracias al muy creativo trabajo del director de fotografía Stanley Cortez –que había colaborado con Orson Welles en El Cuarto Mandamiento– en complicidad con el director artístico Hilyard Brown –un virtuoso constructor de decorados ganador de un Oscar a la Mejor Dirección de Arte con Cleopatra, de J. L. Mankiewicz–.

Cine negro, terror gótico y de pronto cine amable, lo insólito de La Noche del Cazador es que su tratamiento plástico y lenguaje siguen la estela de la fantasía, pero sin fantasía. La primera y última película como director del gran actor británico nacionalizado estadounidense Charles Laughton (1899-1962), vilipendiada en el momento de su estreno por el público y la crítica, está considerada actualmente una obra maestra absoluta, sin descendencia conocida.

«Los cuentos de hadas no le proporcionan al niño su primera intuición de la existencia de los espectros.
Lo que le proporcionan por vez primera es la intuición clara de que es posible derrotarlos»

Gilbert K. Chesterton

ALIEN, EL OCTAVO PASAJERO

Alien

Estados Unidos, 1979. 116 min. C

Director: RIDLEY SCOTT. Guión: Dan O’Bannon. Música: Jerry Goldsmith. Fotografía: Dereck Vanlint, Denys Ayling. Intérpretes: Sigourney Weaver, John Hurt, Yaphet Kotto, Tom Skerritt, Veronica Cartwright, Harry Dean Stanton, Ian Holm.

«Yo diría que es… He podido comprobar que tiene una capa exterior de polisacáridos proteínicos. Tiene la curiosa costumbre de mudar sus células por siliconas polarizadas, cosa que le da una gran resistencia a condiciones ambientales adversas.
Es una interesante combinación de elementos que lo convierten en un feroz hijo de puta»

el robótico Ash/Ian Holm

Alien es uno de los principales hitos del cine de terror moderno y uno de los filmes de ciencia ficción más importantes e influyentes del cine. Además, es un exponente icónico de la Nueva Carne y una fantasía de existencia intrauterina donde lo orgánico y lo mecánico se mezclan connotados por lo abyecto y lo desconocido. Ridley Scott toma prestadas algunas ideas de H. P. Lovecraft y Joseph Conrad y se inspira en space-operas como El Enigma de otro Mundo y El Terror del Espacio Exterior. También sigue la fórmula criminal de la eliminación uno-a-uno de «Diez Negritos». El director que posteriormente innovaría en el cyberpunk con Blade Runner (1982), gracias a la colaboración entre especialistas como el productor Walter Hill, los artistas H. R. Giger, Moëbius, Chris Foss y Ron Cobb, el compositor Jerry Goldsmith y el guionista Dan O’Bannon, rehabilitó la barata ciencia ficción introduciendo fascinantes hallazgos visuales y elevando la angustia a la categoría de arte.

La U.S.C.S.S. Nostromo (denominación cogida de una novela de Conrad) es una gigantesca nave espacial de transporte capitaneada por Dallas y con siete tripulantes a bordo que inicia el retorno a la Tierra proveniente del planeta Thedus. Respondiendo a la misteriosa transmisión de una forma de vida desconocida, interrumpe su viaje y se dirige a un planetoide cercano aparentemente deshabitado, descubriendo allí una nave alienígena abandonada en la que hay un grandioso esqueleto fosilizado y una cámara repleta de extraños huevos. De uno de ellos surge un parásito con forma de araña que se adhiere al rostro del tripulante Kane, cuyo pecho revienta saliendo de él un violento ser con cabeza de pene. A partir de entonces, la tripulación irá siendo aniquilada por la mutada bestia estelar, enfrentada a la osada superviviente suboficial Ripley (Sigourney Weaver).

La película fundamenta el clima del terror y suspense claustrofóbico en el espacio donde se desarrolla la acción, sin salir de la nave Nostromo, con el monstruo dentro. La tenebrosa criatura, un prodigio de la xenobiología que evoluciona del parasitismo a la depredación, se mueve por embutidos y y viscosos pasadizos, dimensiones muy adecuadas para establecer profundidad y tensión. El alien en estado adulto, personificado por el bailarín masai Bolaji Badejo, es una suerte de pulpo cósmico hecho de piezas mecánicas y fragmentos orgánicos que sangra ácido hipercorrosivo y está dotado de una doble boca dentada completada por un apéndice retráctil. En palabras de José Miguel G. Cortés: «La boca es un orificio del rostro que nos sugiere la oralidad, nos retrotae al primer estadio de impulsión caníbal, cuando la ingestión alimentaria y el deseo erótico se confundían».

Alien es uno de los paradigmas más sobresalientes de la Nueva Carne, la cual viene en proclamar la unión de lo biológico y tecnológico como vía de trascendencia hacia un nuevo estado superior. H. R. Giger, cuya obra conforma una visión siniestra de la condición humana de fin de siglo, fue el encargado de diseñar el mundo alienígena, incluidas las tres fases evolutivas del monstruo tras el huevomorfo: abrazacaras, quebrantapechos y alien adulto (éste inspirado en los Biomecanoides del Necronom IV  y V).

Alien,  donde la abominable nave-planeta es vista como una metáfora del cuerpo femenino, representa una vuelta al vientre materno, una regresión al estado embrionario en la que los miembros de la expedición, a modo de espermatozoides, encuentran vida extraterrestre. En la película de Scott, como en La Invasión de los Ultracuerpos (1978) y La Cosa (1982), la invasión del extraño toma una explícita referencia carnal, al utilizar la Madre Alien el cuerpo humano como un receptáculo para completar su ciclo vital. Según McIntee: «Alien es una película sobre violación. En un nivel trata sobre una amenaza alienígena. En otro, sobre el parasitismo y enfermedades. Pero el nivel que pasó a ser más importante para los guionistas y el director fue el concerniente al sexo y la reproducción a través de medios poco ortodoxos. Y trata de cómo es que le pasa todo esto a un hombre».

A  L  I  E  N.   Nueva Carne.   A  L  I  E  N.   Nuevo Sexo.   A  L  I  E  N.   Nueva Maternidad.  A  L  I  E  N

TOP 50 Cortometrajes favoritos (animación)

1. DIMENSIONES DEL DIÁLOGO (Moznosti Dialogu)
 Jan Švankmajer (CHE, 1982). Stop motion. Claymation

2. ERIZO EN LA NIEBLA (Yozhik v Tumane)
Yuriy Norshteyn (URSS, 1975). Stop motion. Vidrio superpuesto

3. LA MANO (Ruka)
Jiří Trnka (CHE, 1965). Stop motion. Marionetas

4. LA IDEA (L’idée)
Berthold Bartosch (FRA, 1932)

5. EL CUENTO DE LOS CUENTOS (Skazka Skazok)
Yuriy Norshteyn (URSS, 1979). Stop motion

6. IT’S A BIRD
Harold L. Muller & Charles Bowers (EEUU, 1930). Stop motion

7. INSPIRACIÓN (Inspirace)
Karel Zeman (CHE, 1949). Stop motion. Vidrio

8. EL APARTAMENTO (Byt)
Jan Švankmajer (CHE, 1968). Stop motion

9. LA VENGANZA DEL CAMARÓGRAFO (Mest kinematograficheskogo operatora)
Wladyslaw Starewicz (RUS, 1912). Stop motion. Marionetas

10. ESTACIONES (Vremena Goda)
Yuriy Norshteyn & Ivan Ivanov-Vano (URSS, 1969). Stop motion

11. PAPAGENO
Lotte Reiniger (ALE, 1935). Sombras chinescas

12. OSCURIDAD, LUZ, OSCURIDAD (Tma/Svetlo/Tma)
Jan Švankmajer (CHE, 1989). Stop motion. Claymation

13. LA MASCOTA (Fétiche)
Wladyslaw Starewicz (FRA, 1934). Stop motion. Marionetas

14. EMAK-BAKIA
Man Ray (FRA, 1926). Stop motion. Rayografía

15. TWO BALLS OF WOOL (Dve Klubícka)
Hermína Týrlová (CHE, 1962). Stop motion

16. SKHIZEIN
Jérémy Clapin (FRA, 2008)

17. LAS VACACIONES DE BONIFACIO (Kanikuly Bonifatsiya)
Fyodor Khitruk (URSS, 1965)

18. EL MUNDO EXTINTO DE LOS GUANTES (Zaniklý Svet Rukavic)
Jiří Barta (CHE, 1983). Stop motion

19. EL SUEÑO DE UN HOMBRE RIDÍCULO (Son Smeshnogo Cheloveka)
Aleksandr Petrov (RUS, 1992)

20. EL VIEJO MOLINO (Walt Disney’s Silly Symphony: The Old Mill)
Wilfred Jackson & Graham Heid (EEUU, 1937)

21. EL HOMBRE QUE PLANTABA ÁRBOLES (L’homme qui Plantait des Arbress)
Frédéric Back (CAN, 1987)

22. SÍSIFO (Sisyphus)
Marcell Jankovics (HUN, 1974)

23. NEIGHBOURS
Norman McLaren (CAN, 1952). Stop motion

24. CUENTO DE NAVIDAD (TV) (A Christmas Carol)
Richard Williams (EEUU, 1971)

25. BALANCE
Christoph Lauenstein & Wolfgang Lauenstein (RFA, 1989). Stop motion

26. TERMINUS
Trevor Crawood (CAN, 2007)

27. FANTASMAS ANTES DEL DESAYUNO (Vormittagsspuk)
Hans Richter (ALE, 1928). Stop motion

28. CHROMOPHOBIA
Raoul Servais (BEL, 1966)

29. LA REBELIÓN DE LOS JUGUETES (Vzpoura Hracek)
Hermína Tyrlová & Frantisek Sádek (CHE, 1946). Stop motion

30. EL REGRESO (Vozvrashcheniye)
Vladimir Tarasov (URSS, 1980)

31. CRANE FEATHERS (Zhuravlinye Per’ya)
Ideya Garanina (URSS, 1977). Stop motion. Marionetas

32. EL VIEJO Y EL MAR (The Old Man and the Sea)
Aleksandr Petrov (RUS/CAN/JAP, 1999)

33. THE DEVIL’S MILL (Certuv Mlyn)
Jirí Trnka (CHE, 1949). Stop motion. Marionetas

34. SALTANDO (Jumping)
Osamu Tezuka (JAP/CAN, 1984)

35. LA ARMÓNICA DE CRISTAL (Steklyannaya Garmonika)
Andrei Khrzhanovsky (URSS, 1968)

36. EL LOBO GRIS Y CAPERUCITA ROJA (Seryy Volk end Krasnaya Shapochka)
Garri Bardin (URSS, 1990). Stop motion. Claymation

37. EL SEÑOR PROKOUK, CINEASTA (Pan Prokouk Filmuje)
Karel Zeman (CHE, 1948). Stop motion

38. LOS TRES INVENTORES (Les 3 Inventeurs)
Michel Ocelot (FRA, 1980). Stop motion

39. CRIMEN Y CASTIGO (Zbrodnia i Kara)
Piotr Dumala (POL, 2000)

40. LA ANCIANA Y LAS PALOMAS (La Vieille Dame et les Pigeons)
Sylvain Chomet (FRA/GB/CAN, 1997)

41. LA MOSCA (A Légy)
Ferenc Rófusz (HUN, 1980)

42. EL DEMONIO (Oni)
Kihachirô Kawamoto (JAP, 1972). Stop motion. Marionetas

43. LE PAYSAGISTE (Mindscape)
Jacques Drouin (CAN, 1976). Pantalla de alfileres

44. LA MOSCA (Muha)
Vladimir Jutrisa & Aleksandar Marks (YUG, 1968)

45. PADRE E HIJA (Father and Daughter)
Michael Dudok de Wit (HOL/BEL/GB, 2000)

46. THREE MONKS (San Ge He Shang)
Jingda Xu (CHI, 1982)

47. BREAKFAST ON THE GRASS (Eine Murul)
Priit Pärn (URSS, 1987)

48. SAMBA, EL GRANDE (Samba le Grand)
Moustapha Alassane (NER, 1977). Stop motion. Marionetas

49. THE DINOSAUR AND THE MISSING LINK: A PREHISTORIC TRAGEDY
Willis H. O’Brien (EEUU, 1915). Stop motion

50. PICA-DON
Renzô Kinoshita (JAP, 1978)

Mención extra: EL HOTEL ELÉCTRICO (Hôtel Électrique)
Segundo de Chomón (FRA, 1908). Stop motion

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