TOP 30 Poliziesco italiano

«Il filo del poliziesco all’italiana è ormai come un limone dal quale c’è poco de spremere»

Di Leo, 1975

1. MILÁN, CALIBRE 9 (Milano Calibro 9)
 Fernando Di Leo, 1972

2. NUESTRO HOMBRE DE MILÁN (La Mala Ordina)
Fernando Di Leo, 1972

3. REVÓLVER (Revolver)
Sergio Sollima, 1973

4. MILANO ODIA: LA POLIZIA NON PUÒ SPARARE (Almost Human)
Umberto Lenzi, 1974

5. LA BANDA CASAROLI
Florestano Vancini, 1962

6. CONFESIONES DE UN COMISARIO (Confessione di un Commissario di Polizia al Procuratore della Repubblica)
Damiano Damiani, 1971

7. BANDIDOS EN MILÁN (Banditi a Milano)
Carlo Lizzani, 1968

8. NÁPOLES VIOLENTA (Napoli Violenta)
Umberto Lenzi, 1976

9. CAZA AL MARSELLÉS (Squadra Volante)
Stelvio Massi, 1974

10. LA POLICÍA DETIENE, LA LEY JUZGA (La Polizia incrimina la Legge assolve)
Enzo G. Castellari, 1973

11. TENGO MIEDO (Io ho Paura)
Damiano Damiani, 1977

12. ROMA A MANO ARMADA (Roma a Mano Armata)
Umberto Lenzi, 1976

13. MILÁN TIEMBLA, LA POLICÍA PIDE JUSTICIA (Milano Trema – La Polizia vuole Giustizia)
Sergio Martino, 1973

14. SECUESTRO DE UNA MUJER (Il Boss)
Fernando Di Leo, 1973

15. LA POLICÍA AGRADECE (La Polizia Ringrazia)
Steno, 1972

16. EL CIUDADANO SE REBELA (Il Cittadino si Ribella)
Enzo G. Castellari, 1974

17. EL HOMBRE DE LA CALLE HACE JUSTICIA (L’uomo della Strada fa Giustizia)
Umberto Lenzi, 1975

18. CUANDO LA AMBICIÓN SE TIÑE DE ROJO (Un Detective)
Romolo Guerrieri, 1969

19. FORAJIDOS 77 (Il Grande Racket)
Enzo G. Castellari, 1976

20. LUCA EL CONTRABANDISTA (Luca il Contrabbandiere)
Lucio Fulci, 1980

21. CORRUPCIÓN DE MENORES (La Polizia chiede Aiuto)
Massimo Dallamano, 1974

22. ROMA VIOLENTA
Marino Girolami, 1975

23. FURIA HOMICIDA (Fango Bollente)
Vittorio Salerno, 1975

24. CIUDAD VIOLENTA (Città Violenta)
Sergio Sollima, 1970

25. EL CÍNICO, EL INFAME, EL VIOLENTO (Il Cinico, l’Infame, il Violento)
Umberto Lenzi, 1977

26. TONY ARZENTA
Duccio Tessari, 1973

27. BRIGADA ANTICRIMEN (Uomini si Nasce Poliziotti si Muore)
Ruggero Deodato, 1976

28. SOSPECHOSA MUERTE DE UNA MENOR (Morte Sospetta di una Minorenne)
Sergio Martino, 1975

29. CORRUPCIÓN POLICIAL (Il Poliziotto è Marcio)
Fernando Di Leo, 1974

30. POLICÍAS VIOLENTOS (Poliziotti Violenti)
Michele Massimo Tarantini, 1976

Mención extra: LA POLICÍA SECUESTRA… LA VÍCTIMA AGRADECE
Óscar Villalta, 2017. Mediometraje

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HIERBA ERRANTE, LA

Ukigusa

Japón, 1959. 128 min. C

Director: YASUJIRŌ OZU. Guion: Yasujirō Ozu, Kôgo Noda. Música: Takanobu Saitô. Fotografía: Kazuo Miyagawa. Intérpretes: Ganjirō Nakamura, Haruko Sugimura, Hiroshi Kawaguchi, Machiko Kyô, Ayako Wakao, Hitomi Nozoe, Chishû Ryû, Koji Mitsui, Haruo Tanaka.

«Todo el mundo es un escenario, y todos los hombres y mujeres meros actores: tienen sus salidas y sus entradas; y un hombre en su tiempo interpreta a muchas partes…»

William Shakespeare

Ukigusa, escrita por Y. Ozu nuevamente en colaboración con el guionista Kôgo Noda, se desarrolla durante un verano caluroso de 1958 en un tranquilo pueblo pesquero de la península de Shima, al sur de Japón. Una pequeña compañía de teatro ambulante («hierbas errantes») llega en barco para interpretar obras kabuki. El veterano director y actor principal del grupo, Komajuro Arashi (Ganjirō Nakamura), no tarda en visitar a su antigua amante, Oyoshi (Haruko Sugimura), con quien tuvo un hijo ilegítimo casi veinte años atrás, Kiyoshi (Hiroshi Kawaguchi), a quien siempre le han hecho creer que Komajuro es su tío (porque para éste, dada su condición de figura ausente, es mejor un padre muerto que un mal padre).

Dicho reencuentro –y ocultamiento– anuncia una serie de conflictos entramados por la pasión y las emociones, que fluyen como un torrente cuando la primera actriz de la compañía y actual pareja de Komajuro, Sumiko (Machiko Kyō), descubre el secreto. La mujer, llevada por los celos, convence a una compañera, la joven Kayo Otoki (la hermosa Ayako Wakao), para que seduzca a su hijo y así provocar confrontarlo con él.

Rodada en su época de madurez, Yasujirō Ozu compone la que probablemente sea su mejor película en color, con permiso de El Sabor del Sake, realizada tres años más tarde. La Hierba Errante es una nueva versión del filme mudo del propio director llamado Historia de una Hierba Errante (Ukigusa Monogatari, 1934). La cinta, que repite temas como el paso del tiempo y el fluir de la vida, la interacción generacional y la descomposición de la tradicional familia japonesa, también retrata la vida nómada de los actores, que como sugiere el propio título está condenada a ser errática, como la hierba volátil que no encuentra arraigo en ningún lugar, como Komajuro (que dice: «Nada permanece constante bajo el sol, todo cambia: así es como va el mundo» y «Somos como el agua que fluye por el río; una tormenta y todo cambia»).

La Hierba Errante comienza como una comedia ligera con rasgos de Jacques Tati (la música de Takanobu Saitô ayuda en la asociación) para irse transformando paulatinamente en un melodrama de sentimientos y recovecos sombríos donde los melancólicos personajes tratan de redimir sus errores pasados a través de segundas oportunidades. Además de un viaje de autorreconocimiento por parte de Komajuro, la película igualmente es una bella historia de amor (la de Kiyoshi y Kayo), si acaso una de las más reconciliadoras y sinceras del cine universal: «El amor es posible»… palabras que resuenan a la finalmente abnegada Gertrud en Gertrud, de Dreyer.

Ozu indaga en las relaciones humanas con sencillez, serenidad y templado lirismo (aunque en esta ocasión nos obsequia con alguna escena «más estridente» de lo habitual), mostrando otra vez una habilidad inaudita para convertir lo disonante en armónico y remontar lo cotidiano hacia lo sublime. Exquisito en la composición del cuadro, el cineasta intensifica el sentido de la figura, la línea y lo geométrico. Ozu rueda tanto en interiores, de ámbito hogareño y con la consabida cámara fija a ras de tatami, como en exteriores, donde muestra nostálgicos planos estáticos de paisajes marítimos y retazos de naturaleza muerta llenos de significado.

La riqueza visual de La Hierba Errante se debe, en gran parte, al trabajo del cinematógrafo favorito de Kenji Mizoguchi, el eminente Kazuo Miyagawa (Rashomon, Yojimbo, Cuentos de la Luna Pálida de Agosto, El Intendente Sansho), cuya fotografía se encuentra entre las más hermosas y delicadas del cine japonés. La película supone, al mismo tiempo, un excelente estudio semiótico del color, con gamas que evolucionan de la luminosidad y la alegría inicial hacia tonalidades más oscuras y crepusculares, entre el miedo y la esperanza, como la historia misma que cuenta. Ukigusa es, en definitiva, una de las maravillas tardías del director de Cuentos de Tokio. Un filme que debe incluirse por derecho propio entre sus grandes obras, como Crepúsculo en Tokio (1957). El mejor Ozu.

«Ozu es el director más grande del mundo de los que nunca han oído hablar los geeks. Un poeta, humanitario, estilista, innovador y un brillante director de actores. Recomendaría Floating Weeds a cualquiera con un corazón que sepa que la dirección es más que la cámara que se mueve»

James Mangold

TOP 35 Dirección de fotografía en color

Por orden cronológico

1. NARCISO NEGRO (Black Narcissus)
Michael Powell & Emeric Pressburger (GB, 1947)

Fotografía: Jack Cardiff

2. LA PUERTA DEL INFIERNO (Jigokumon)
Teinosuke Kinugasa (JAP, 1953)

Fotografía: Kohei Sugiyama

3. SENSO
Luchino Visconti (ITA, 1954)

Fotografía: G.R. Aldo & Robert Krasker

 4. CENTAUROS DEL DESIERTO (The Searchers)
John Ford (EEUU, 1956)

Fotografía: Winton C. Hoch

5. MOBY DICK
John Huston (GB, 1956)

Fotografía: Oswald Morris

6. VÉRTIGO (DE ENTRE LOS MUERTOS) (Vertigo)
Alfred Hitchcock (EEUU, 1958)

Fotografía: Robert Burks

7. DRÁCULA (Horror of Dracula)
Terence Fisher (GB, 1958)

Fotografía: Jack Asher

8. LA HIERBA ERRANTE (Ukigusa)
Yasujirō Ozu (JAP, 1959)

Fotografía: Kazuo Miyagawa

9. EL HOMBRE ANFIBIO (Chelovek-Amfibiya)  
Vladimir Chebotaryov & Gennadi Kazansky (URSS, 1962)

Fotografía: Eduard Rozovsky

10. SEIS MUJERES PARA EL ASESINO (Sei Donne per l’Assassino)
Mario Bava (ITA/MCO/FRA, 1964)

Fotografía: Ubaldo Terzano

11. SAYAT NOVA (EL COLOR DE LA GRANADA) (Sayat Nova)
Sergei Parajanov (URSS, 1969)

Fotografía: Suren Shakhbazyan

12. FARAÓN (Pharaoh)
Jerzy Kawalerowicz (POL, 1966)

Fotografía: Jerzy Woljcik

13. EL SILENCIO DE UN HOMBRE (Le Samouraï)
Jean-Pierre Melville (FRA/ITA, 1967)

Fotografía: Henri Decae

14. 2001: UNA ODISEA DEL ESPACIO (2001: A Space Odyssey)
Stanley Kubrick (GB/EEUU, 1968)

Fotografía: Geoffrey Unsworth

15. HASTA QUE LLEGÓ SU HORA (C’era una Volta il West)
Sergio Leone (ITA, 1969)

Fotografía: Tonino Delli Colli

16. EL CONFORMISTA (Il Conformista)
Bernardo Bertolucci (ITA/FRA, 1970)

Fotografía: Vittorio Storaro

17. LUIS II DE BAVIERA, EL REY LOCO (Ludwig II)
Luchino Visconti (ITA/FRA/ALE, 1972)

Fotografía: Armando Nannuzzi

18. GRITOS Y SUSURROS (Viskningar och Rop)
Ingmar Bergman (SUE, 1972)

Fotografía: Sven Nykvist

19. AGUIRRE, LA CÓLERA DE DIOS (Aguirre, the Wrath of God)
Werner Herzog (RFA, 1972)

Fotografía: Thomas Mauch

20. EL ESPÍRITU DE LA COLMENA
Víctor Erice (ESP, 1973)

Fotografía: Luis Cuadrado

21. BARRY LYNDON
Stanley Kubrick (GB, 1975)

Fotografía: John Alcott

22. DERSU UZALA (EL CAZADOR) (Dersu Uzala)
Akira Kurosawa (URSS/JAP, 1975)

Fotografía: Asakadzu Nakai, Youri Gantoman & Fyodor Dobronravov

23. EL ESPEJO (Zerkalo)
Andrei Tarkovsky (URSS, 1975)

Fotografía: Georgi Rerberg

24. EL VIAJE DE LOS COMEDIANTES (O Thiassos)
Theo Angelopoulos (GRE, 1975)

Fotografía: Giorgos Arvanitis

25. HUELLAS DE PISADAS EN LA LUNA (Le Orme)
Luigi Bazzoni (ITA, 1975)

Fotografía: Vittorio Storaro

26. SUSPIRIA
Dario Argento (ITA, 1977)

Fotografía: Luciano Tovoli

27. APOCALYPSE NOW
Francis Ford Coppola (EEUU, 1979)

Fotografía: Vittorio Storaro

28. STALKER
Andréi Tarkovski (URSS, 1979)

Fotografía: Aleksandr Knyazhinsky & Georgi Rerberg

29. FANNY Y ALEXANDER (Fanny och Alexander)
Ingmar Bergman (SUE/FRA/ALE, 1982)

Fotografía: Sven Nykvist

30. RAN
Akira Kurosawa (JAP/FRA, 1985)

Fotografía: Takao Saito & Masaharu Ueda

31. MADRE E HIJO (Mat i Syn)
Aleksandr Sokurov (RUS/ALE, 1997)

Fotografía: Aleksei Fedorov

32. DESEANDO AMAR (IN THE MOOD FOR LOVE) (Fa Yeung Nin Wa)
Wong Kar-Wai (HK/FRA, 2002)

Fotografía: Christopher Doyle & Pin Bing Lee

33. EL REGRESO (Vozvrashchenie)
Andrei Zvyagintsev (RUS, 2003)

Fotografía: Mikhail Krichman

34. EL HAVRE (Le Havre)
Aki Kaurismäki (FIN/FRA/ALE, 2011)

Fotografía: Timo Salminen

35. SUEÑO DE INVIERNO (WINTER SLEEP) (Kis Uykusu)
Nuri Bilge Ceylan (TUR/FRA/ALE, 2014)

Fotografía: Gökhan Tiryaki

Mención extra: EL CABALLERO VERDE (The Green Knight)
David Lowery (EEUU/CAN/IRL, 2021)

Fotografía: Andrew Droz Palermo

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Fotografía: Rudolph Maté & Goestula Kottula

3. TIERRA (Zemlya)
Aleksandr Dovzhenko (URSS, 1930)

Fotografía: Daniil Demutsky

 4. M, EL VAMPIRO DE DÜSSELDORF (M)
Fritz Lang (ALE, 1931)

8. DIES IRAE (Vredens Dag)
Carl Theodor Dreyer (DIN, 1943)

Fotografía: Carl Andersson

9. LUZ QUE AGONIZA (Gaslight)
George Cukor (EEUU, 1944)

Fotografía: Joseph Ruttenberg

10. RETORNO AL PASADO (Out of the Past)
Jacques Tourneur (EEUU, 1947)

Fotografía: Nicholas Musuraca

11. OLIVER TWIST
David Lean (GB, 1948)

Fotografía: Guy Green

12. EL TERCER HOMBRE (The Third Man)
Carol Reed (GB, 1949)

Fotografía: Robert Krasker

13. EL RENO BLANCO (Valkoinen Peura)
Erik Blomberg (FIN, 1952)

Fotografía: Erik Blomberg

14. CUENTOS DE LA LUNA PÁLIDA DE AGOSTO (Ugetsu Monogatari)
Kenji Mizoguchi (JAP, 1953)

Fotografía: Kazuo Miyagawa

15. LA NOCHE DEL CAZADOR (The Night of the Hunter)
Charles Laughton (EEUU, 1955)

Fotografía: Stanley Cortez

16. ORDET (LA PALABRA) (Ordet)
Carl Theodor Dreyer (DIN, 1955)

Fotografía: Henning Bendsten

17. PATHER PANCHALI (LA CANCIÓN DEL CAMINO) (Pather Panchali)
Satyajit Ray (IND, 1955)

Fotografía: Subrata Mitra

18. EL SÉPTIMO SELLO (Det Sjunde Inseglet)
Ingmar Bergman (SUE, 1957)

Fotografía: Gunnar Fischer

19. ASCENSOR PARA EL CADALSO (Ascenseur pour l’Echafaud)
Louis Malle (FRA, 1958)

Fotografía: Henri Decae

20. NAZARÍN
Luis Buñuel (MEX, 1959)

Fotografía: Gabriel Figueroa

21. LA MÁSCARA DEL DEMONIO (La Maschera del Demonio)
Mario Bava (ITA, 1960)

Fotografía: Mario Bava

22. SUSPENSE (The Innocents)
Jack Clayton (GB, 1961)

Fotografía: Freddie Francis

23. EL AÑO PASADO EN MARIENBAD (l’Année Dernière à Marienbad)
Alain Resnais (FRA/ITA, 1961)

Fotografía: Sacha Vierny

24. LA INFANCIA DE IVÁN (Ivanovo Detstvo)
Andréi Tarkovski (URSS, 1962)

Fotografía: Vadim Yusov

25. FELLINI, OCHO Y MEDIO (Otto e Mezzo)
Federico Fellini (ITA/FRA, 1963)

Fotografía: Gianni Di Venanzo

26. EL EVANGELIO SEGÚN SAN MATEO (Il Vangelo secondo Matteo)
Pier Paolo Pasolini (ITA/FRA, 1964)

Fotografía: Tonino Delli Colli

27. SOY CUBA (Ya Kuba)
Mikhail Kalatozov (URSS/CUB, 1964)

Fotografía: Sergei Urusevsky

28. LA MUJER DE LA ARENA (aka LA MUJER DE LAS DUNAS) (Suna no Onna)
Hiroshi Teshigahara (JAP, 1964)

Fotografía: Hiroshi Segawa

29. PERSONA
Ingmar Bergman (SUE, 1966)

Fotografía: Sven Nykvist

30. MARKETA LAZAROVÁ
Frantisek Vlácil (CHE, 1967)

Fotografía: Bedrich Batka

31. EL GATO NEGRO (KURONEKO) (Yabu no naka no kuroneko)
Kaneto Shindô (JAP, 1968)

Fotografía: Kiyomi Kuroda

32. MUJO (THIS TRANSIENT LIFE) (Mujo)
Akio Jissoji (JAP, 1970)

Fotografía: Yuzo Inagaki, Masao Nakabori & Kazumi Oneda

33. EL REY LEAR (Korol Lir)
Grigori Kozintsev & Iosif Shapiro (URSS, 1971)

Fotografía: Jonas Gritsius

34. EL HOMBRE ELEFANTE (The Elephant Man)
David Lynch (EEUU, 1980)

Fotografía: Freddie Francis

35. EL CABALLO DE TURÍN (A Torinói Ló)
Béla Tarr & Ágnes Hranitzky (HUN/FRA/ALE/SUI, 2011)

Fotografía: Fred Kelemen

Mención extra: IDA
Pawel Pawlikowski (POL/ITA/DIN, 2013)

Fotografía: Lukasz Zal & Ryszard Lenczewski

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NUESTRO HOMBRE DE MILÁN

La Mala Ordina

Italia, Alemania, 1972. 95 min. C

Dirección: FERNANDO DI LEO. Guión: Fernando Di Leo, Augusto Finocchi, Ingo Hermes. Música: Armando Trovajoli. Fotografía: Franco Villa. Intérpretes: Mario Adorf, Henry Silva, Woody Strode, Adolfo Celi, Luciana Paluzzi, Francesca Romana Coluzzi, Franco Fabrizi, Femi Benussi, Gianni Macchia, Peter Berling, Cyril Cusack, Sylva Koscina.

«La suya no debe ser una muerte cualquiera… sino una muerte dramática. ¡En la virgencita lo quiero ver ahorcado!»

Corso, el mafioso americano, sobre Luca Canali

Fernando Di Leo es un nombre ligado inexorablemente al cine negro europeo, más concretamente al poliziesco, del que es uno de sus máximos exponentes junto a los destajistas Umberto Lenzi y Enzo G. Castellari. Nacido a principios de los años setenta sobre las cenizas del spaghetti western, el poliziesco italiano, o poliziottesco, como la crítica de la época lo bautizó, retrata un mundo urbano degradado, violento y dominado por el crimen organizado, la codicia y el plomo de las balas. La mayoría de sus películas, cuyos protagonistas –ya sean policías o ciudadanos comunes– se mueven en búsqueda obsesiva de justicia (sumaria), fueron el reflejo de la convulsión que se vivía en Italia durante aquellos años, donde la insatisfacción por la corrupción político-institucional se tradujo en violencia callejera y, sucesivamente, en lucha armada.

La Mala Ordina es la segunda entrega de la espectacular Trilogía del Milieu, considerada la Biblia del poliziesco (aunque Fernando Di Leo consideraba que no debía enmarcarse dentro de él porque el elemento policial es meramente testimonial) y completada por Milano Calibro 9 (1972) y Il Boss (1973). Asimismo, es uno de los mejores noir europeos de los años setenta, si bien con las características autóctonas del género italiano (incluso si no hay comisario). Así, lejos de la poética y el pesimismo existencialista del que hace gala el polar francés (más hermético) y el cine negro estadounidense, el director de Puglia se decanta por la rudeza, el alto nivel de acción y el mensaje marcadamente subversivo, sin aditivo superfluo alguno.

La historia se basa libremente en un relato de Giorgio Scerbanenco: «Milán, Calibre 9» (cuyo nombre da título, curiosamente, a otra película de la trilogía). Dos asesinos a sueldo muy profesionales (implacables Henry Silva y Woody Strode) son enviados desde Nueva York a Milán para eliminar a un gángster de poca monta, Luca Canali (Mario Adorf), al que la mafia acusa de haberse quedado con una partida de heroína. Canali, un chivo expiatorio perfecto para el padrino Don Vito Tressoldi (Adolfo Celi), se refugia y huye para sobrevivir, hasta que un sicario de los mafiosos atropella y asesina a su esposa y a su querida hija. Es a partir de entonces cuando el filme se convierte en un torbellino de violencia y energía, con un Luca Canali ciego de ira y sediento de venganza. El duelo final en un desolado cementerio de automóviles es magnífica, más digno de un western que de una película sobre el hampa. Igual que la persecución que se incluye en el último tercio, seguramente la mejor de todo el poliziesco.

Uno de los puntos fuertes de Nuestro Hombre de Milán es la caracterización de los personajes –arquetípicos e incluso fumettisticos– y el elenco actoral, que incluye la presencia de actores de culto como el habitual y ultraduro Henry Silva y el desquiciado y sudoroso Mario Adorf, cuya interpretación –todo un portento de implicación y emotividad– remite a su manera a la de Oliver Reed en la soberbia Revólver (1973). También el estadounidense Woody Strode y el todoterreno Adolfo Celi. Quentin Tarantino, quien manifestó su amor cinéfilo por el filme de Di Leo, reconoció que la pareja Silva-Strode le influyó para crear la suya en Pulp Fiction, con Travolta-L. Jackson.

La película está rodada y ambientada en una Milán soleada y primaveral, ciudad que junto a Roma, Génova y Nápoles monopoliza gran parte de las ubicaciones del poliziesco, y sobresale igualmente por la colorida fotografía de Franco Villa, que con un toque kitsch se constituye como una de las más atrayentes de ese tipo de cine. El talentoso Fernando Di Leo, que arma un guion bien hilvanado y unos diálogos efervescentes, mueve la cámara con un estilo nervioso y emplea planos cortos y abundantes angulaciones heterodoxas. Por su parte, la excelente banda sonora de Armando Trovajoli (quien sustituye momentáneamente a Luis Bacalov) alterna las piezas clásicas del género negro con algo de blues-rock típico del Swinging London.

Nuestro Hombre de Milán es uno de los títulos imprescindibles del euronoir en su vena más cruda y sanguinaria. Poliziottesco de alto voltaje. Y es que la caza al hombre que propone il signore del noir all’italiana te deja clavado en la butaca y con ganas de más.

«Quizás el mejor noir italiano de la década»

Paolo Mereghetti

TOP 75 Cine de terror

«Las películas de terror no crean un miedo, sino que lo liberan»

Wes Craven

1. EL CUERPO Y EL LÁTIGO (La Frusta e il Corpo)
Mario Bava (ITA/FRA, 1963)

2. NOSFERATU, VAMPIRO DE LA NOCHE (Nosferatu: Phantom der Nacht)
Werner Herzog (RFA/FRA, 1979)

3. EL EXORCISTA (The Exorcist)
William Friedkin (EEUU, 1973)

4. VAMPYR, LA BRUJA VAMPIRO (Vampyr – Der Traum des Allan Gray)
Carl Theodor Dreyer (ALE/FRA, 1932)

5. ZOMBI (Dawn of the Dead)
George A. Romero (EEUU, 1978)

6. LA NOVIA DE FRANKENSTEIN (The Bride of Frankenstein)
James Whale (EEUU, 1935)

7. EL QUIMÉRICO INQUILINO (Le Locataire)
Roman Polanski (FRA, 1976)

8. EL GATO NEGRO (KURONEKO) (Yabu no Naka no Kuroneko)
Kaneto Shindô (JAP, 1968)

9. EL GABINETE DEL DOCTOR CALIGARI (Das Kabinett des Dr. Caligari)
Robert Wiene (ALE, 1920)

10. SUSPIRIA
Dario Argento (ITA, 1977)

11. NOSFERATU (Nosferatu, eine Symphonie des Grauens)
F. W. Murnau (ALE, 1922)

12. EL CEREBRO DE FRANKENSTEIN (Frankenstein Must Be Destroyed)
Terence Fisher (GB, 1969)

13. ALIEN, EL OCTAVO PASAJERO (Alien)
Ridley Scott (EEUU, 1979)

14. LA SEMILLA DEL DIABLO (Rosemary’s Baby)
Roman Polanski (EEUU, 1968)

15. EL HORRIBLE SECRETO DEL DR. HICHCOCK (L’orribile Segreto del Dr. Hichcock)
Riccardo Freda (ITA, 1962)

16. EL HUNDIMIENTO DE LA CASA USHER (La Chute de la Maison Usher)
Jean Epstein (FRA, 1928)

17. PSICOSIS (Psycho)
Alfred Hitchcock (EEUU, 1960)

18. EL MÁS ALLÁ (E tu Vivrai nel Terrore – L’aldilà)
Lucio Fulci (ITA, 1981)

19. DRÁCULA, PRÍNCIPE DE LAS TINIEBLAS (Dracula, Prince of Darkness)
Terence Fisher (GB, 1966)

20. LA CAÍDA DE LA CASA USHER (House of Usher)
Roger Corman (EEUU, 1960)

21. SUSPENSE (The Innocents)
Jack Clayton (GB, 1961)

22. LA HORA DEL LOBO (Vargtimmen)
Ingmar Bergman (SUE, 1968)

23. INSEPARABLES (Dead Ringers)
David Cronenberg (CAN, 1988)

24. LA MÁSCARA DEL DEMONIO (La Maschera del Demonio)
Mario Bava (ITA, 1960)

25. MANIAC
William Lustig (EEUU, 1980)

26. LOS OJOS SIN ROSTRO (Les Yeux sans Visage)
Georges Franju (FRA/ITA, 1960)

27. NO PROFANAR EL SUEÑO DE LOS MUERTOS
Jorge Grau (ESP/ITA, 1974)

28. PESADILLA DIABÓLICA (Burnt Offerings)
Dan Curtis (EEUU, 1976)

29. LA ANGUSTIA DEL MIEDO (Angst)
Gerald Kargl (AUT, 1983)

30. EL FANTASMA DE LA ÓPERA (The Phantom of the Opera)
Rupert Julian (EEUU, 1925)

31. POSESIÓN INFERNAL (The Evil Dead)
Sam Raini (EEUU, 1981)

32. AL MORIR LA NOCHE (Dead of Night)
Alberto Cavalcanti, Basil Dearden, Charles Crichton & Robert Hamer (GB, 1945)

33. SÍNTOMAS (Symptoms)
José Ramón Larraz (GB/BEL, 1974)

34. LA NOCHE DE LOS MUERTOS VIVIENTES (Night of the Living Dead)
George A. Romero (EEUU, 1968)

35. ONIBABA
Kaneto Shindô (JAP, 1964)

36. MESSIAH OF EVIL
William Huyck & Gloria Katz (EEUU, 1973)

37. DRÁCULA (Dracula)
Tod Browning (EEUU, 1931)

38. EL HOMBRE DE MIMBRE (The Wicker Man)
Robin Hardy (GB, 1973)

39. EL HOMBRE Y EL MONSTRUO (Dr. Jekyll and Mr. Hyde)
  Rouben Mamoulian (EEUU, 1931)

40. HÄXAN: LA BRUJERÍA A TRAVÉS DE LOS TIEMPOS (Häxan)
Benjamin Christensen (DIN/SUE, 1922). Docuficción

41. MADRE JUANA DE LOS ÁNGELES (Matka Joanna od Aniolów)
Jerzy Kawalerowicz (POL, 1961)

42. AQUELLA CASA AL LADO DEL CEMENTERIO (Quella Villa Accanto al Cimitero)
Lucio Fulci (ITA, 1981)

43. EL RENO BLANCO (Valkoinen Peura)
Erik Blomberg (FIN, 1952)

44. YO ANDUVE CON UN ZOMBIE (I Walked with a Zombie)
Jacques Tourneur (EEUU, 1943)

45. LA GORGONA (aka LA LEYENDA DE VANDORF) (The Gorgon)
Terence Fisher (GB, 1964)

46. CROMOSOMA 3 (The Brood)
David Cronenberg (CAN, 1979)

47. LA MOMIA (The Mummy)
Karl Freund (EEUU, 1932)

48. LÈVRES DE SANG
Jean Rollin (FRA, 1975)

49. EL MÁS ALLÁ (Kaidan)
Masaki Kobayashi (JAP, 1964)

50. EL INCINERADOR DE CADÁVERES (Spalovac Mrtvol)
Juraj Herz (CHE, 1969)

51. EL CARNAVAL DE LAS ALMAS (Carnival of Souls)
Herk Harvey (EEUU, 1962)

52. DEMENCIA (Buio Omega)
Joe D’Amato (ITA, 1979)

53. MARTIN
George A. Romero (EEUU, 1977)

54. ¿QUIÉN PUEDE MATAR A UN NIÑO?
Narciso Ibáñez Serrador (ESP, 1976)

55. DANZA MACABRA
Antonio Margueriti (ITA/FRA, 1964)

56. CARRIE
Brian De Palma (EEUU, 1976)

57. SATANÁS (The Black Cat)
Edgar G. Ulmer (EEUU, 1934)

58. EL DEMONIO (Il Demonio)
Brunello Rondi (ITA/FRA, 1963)

59. EL FOTÓGRAFO DEL PÁNICO (Peeping Tom)
Michael Powell (GB, 1960)

60. THE SNAKE GIRL AND THE SILVER HAIRED-WITCH (Hebi Musume to Hakuhatsuki)
Noriaki Yuasa (JAP, 1968)

61. GANJA Y HESS (Ganja & Hess)
Bill Gunn (EEUU, 1973)

62. LA NOCHE DE HALLOWEEN (Halloween)
John Carpenter (EEUU, 1978)

63. UNA VELA PARA EL DIABLO
Eugenio Martín (ESP, 1973)

64. OPERAZIONE PAURA
Mario Bava (ITA, 1966)

65. LA CITA (The Appointment)
Lindsey C. Vickers (GB, 1982)

66. ENGENDRO MECÁNICO (Demon Seed)
Donald Cammell (EEUU, 1977)

67. LAS AMANTES DEL VAMPIRO (The Vampire Lovers)
Roy Ward Baker (GB, 1970)

68. LAURIN: UN VIAJE A LA MUERTE (Laurin)
Robert Sigl (RFA/HUN, 1989)

69. INCUBUS
Leslie Stevens (EEUU, 1966)

70. ROJO OSCURO (Profondo Rosso)
Dario Argento (ITA, 1975)

71. VAMPIR, CUADECUC
Pere Portabella (ESP, 1970). Docuficción

72. MEMÓRIAS DE UM ESTRANGULADOR DE LOIRAS
Júlio Bressane (BRA, 1971)

73. IMÁGENES (Images)
Robert Altman (GB/EEUU, 1972)

74. EL GOLEM (Der Golem, wie er in die Welt kam)
Paul Wegener & Carl Boese (ALE, 1920)

75. ESTA NOCHE POSEERÉ TU CADÁVER (Esta Noite Encarnarei no teu Cadáver)
José Mojica Marins (BRA, 1967)

Mención extra: EL RETORNO DEL HOMBRE LOBO
Jacinto Molina (ESP, 1980)

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CUERNO DE CABRA

Kozijat Rog

Bulgaria, 1972. 105 min. B/N

Dirección: METODI ANDONOV. Guion: Nikolai Haitov. Música: Mariya Neykova. Fotografía: Dimo Kolarov. Intérpretes: Katya Paskaleva, Anton Gorchev, Milen Penev, Todor Kolev, Kliment Denchev, Stefan Mavrodiyev, Nevena Andonova, Marin Yanev.

«Este mundo no es para mujeres»

Karaivan a María

Cuerno de Cabra, realizada en 1972 a partir de un guion escrito por el novelista búlgaro Nikolai Haitov, es un misterio de Europa del Este. Película poco conocida hoy en día, en su momento obtuvo numerosos premios internacionales y alcanzó gran repercusión popular, especialmente en el país de su producción, Bulgaria, donde se calcula que más de un 40% de la población la vio en su estreno. El tercer filme de Metodi Andonov, un prometedor cineasta proveniente del teatro y fallecido de forma prematura a los 42 años de edad, fue elegido en 1994 por la Unión de Cineastas Búlgaros como el mejor de la historia de Bulgaria.

Kozijat Rog está ambientada en la Bulgaria rural del siglo XVII, territorio bajo el yugo del Imperio otomano. Karaivan (Anton Gorchev) es un pastor sefardí que vive feliz con su esposa (Katya Paskaleva) y su pequeña hija María (encarnada de niña por Nevena Andonova, hija de Metodi Andonov, y de mayor otra vez por Katya, que protagonizó un doble papel) en una cabaña alejada de la civilización. Una noche, mientras Karaivan se ausenta con las cabras, cinco turcos violan y asesinan salvajemente a la mujer en presencia de la niña. Cegado por el dolor y la ira, el pastor quema la casa con el cadáver de su esposa dentro y huye a las altas montañas con su hija. Karaivan tomará una decisión que marcará inexorablemente la vida de María: educarla y vestirla como si fuera un varón para garantizar su seguridad y prepararla con rigor y dureza para la sangrienta venganza.

El tiempo pasa, la niña crece y las muertes se suceden. En cada cuerpo padre e hija dejan un afilado cuerno de cabra como símbolo de su venganza. Sin embargo, Karaivan no podrá evitar que María descubra su verdadera identidad femenina y se enamore de un joven y guapo pastor. El amor floreciente de María, que mengua sus impulsos vengativos y choca con la promesa del obcecado Karaivan, será el que conduzca a los desdichados protagonistas a un desenlace inevitablemente trágico, despiadado y de pura desolación, otorgándose de esa forma una estructura circular al relato.

Este es un drama intenso en perfecta mezcla de violencia y lirismo ubicado en las indómitas montañas búlgaras, donde los momentos de ternura y afecto quedan rápidamente aplastados por el fúnebre desarrollo de la acción, que avanza hacia la sinrazón y deja al descubierto los rasgos más extremos de la naturaleza humana. Cuerno de Cabra narra cómo una historia de venganza personal (la de Karaivan, o Tanatos) impide la materialización de una historia de amor (la de María, o Eros). Andonov enseña, como hacía Fritz Lang, que la venganza desenfrenada no conduce a nada bueno, más bien al contrario. El filme, que igualmente puede verse como una metáfora de la lucha contra la opresión otomana en Bulgaria, plantea cuestiones morales relacionadas con la posesión, la libertad, el odio, el amor, la educación basada en el rencor y el papel de la mujer sometida y condicionada cultural y socialmente.

Película pausada y sin apenas diálogos, Cuerno de Cabra se sirve voluntariamente de un lenguaje cinematográfico elemental, directo y sin refinamientos estéticos, alternando planos secuencia con primeros planos de rostros. La fotografía de Dimo Kolarov, en un blanco y negro crudo y de naturalismo primitivo, lejos de estilizar la imagen la baña de verismo y cierta tendencia documental, sabiendo transmitir la duras condiciones de vida de la Bulgaria rural. A ello ayuda el sonido diegético de la omnipresente naturaleza y la casi ausencia de banda sonora, la cual incluye una inolvidable y triste nana tatareada por una dulce voz femenina.

Filme ignoto y rudo, rayano lo subversivo y de culto dentro de la fructífera y talentosa cinematografía de Europa del Este de los años setenta. Cuerno de Cabra, una historia sencilla y con tono de leyenda. Vaca sagrada búlgara.

Dedicado a MARCELO

TOP 45 Cine checoslovaco

 «Revolucionario será aquel que pueda revolucionarse a sí mismo»

Milan Kundera

1. MARKETA LAZAROVÁ
František Vláčil, 1967

2. HIGHER PRINCIPLE (ALTO PRINCIPIO) (Vyssí Princip)
Jirí Krejcík, 1960

3. EL INCINERADOR DE CADÁVERES (Spalovac Mrtvol)
Juraj Herz, 1969

4. EL VALLE DE LAS ABEJAS (Údolí Vcel)
František Vláčil, 1968

5. LA TIENDA EN LA CALLE MAYOR (Obchod na Korze)
Ján Kadár & Elmar Klos, 1965

6. RETRATOS DE UN VIEJO MUNDO (Obrazy Starého Sveta)
Dusan Hanák, 1972. Documental

7. MARTILLO PARA LAS BRUJAS (Kladivo na Carodejnice)
Otakar Vávra, 1970

8. MORGIANA
Juraj Herz, 1973

9. LA OREJA (Ucho)
Karel Kachyňa, 1970

10. IKARIE XB 1 (VIAJE AL FIN DEL UNIVERSO) (IKARIE XB 1)
Jindrich Polák, 1963

11. VALERIE Y SU SEMANA DE LAS MARAVILLAS (Valerie a Týden Divu)
Jaromil Jireš, 1970

12. LAS MARGARITAS (Sedmikrásky)
Vera Chytilová, 1966

13. CARRIAGE TO VIENNA (Kocár do Vídne)
Karel Kachyňa, 1966

14. EL BARÓN FANTÁSTICO (Baron Prásil)
Karel Zeman, 1962. Animación. Stop motion

15. LA ABEJA MILENARIA (Tisícrocná Vcela)
Juraj Jakubisko, 1983

16. ALICE (Neco z Alenky)
Jan Švankmajer, 1988. Animación. Stop motion

17. LONG LIVE THE REPUBLIC (At Zije Republika)
Karel Kachyňa, 1965

18. THREE VETERANS (Tri Veteráni)
Oldrich Lipský, 1984

19. KRAKATIT
Otakar Vávra, 1947

20. LA PESTE BLANCA (Bílá Nemoc)
Hugo Haas, 1937

21. EL FLAUTISTA DE HAMELÍN (Krysar)
Jiří Barta, 1959. Animación. Marionetas

22. ADELHEID
František Vláčil, 1970

23. LA DAMA DE LAS NIEVES (Perinbaba)
Juraj Jakubisko, 1985

24. ROMEO, JULIETA Y LAS TINIEBLAS (Romeo, Julie a Tma)
Jirí Weiss, 1960

25. LA BALADA DE LOS SIETE AHORCADOS (TV) (Balada o Siedmich Obesených)
Martin Hollý, 1968

26. LA SIRENITA (Malá Morská Víla)
Karel Kachyňa, 1976

27. LA BELLA Y LA BESTIA (Panna a Netvor)
Juraj Herz, 1978

28. THE END OF AUGUST AT THE HOTEL OZONE (Konec Srpna v Hotelu Ozon)
Jan Schmidt, 1967

29. DRAGON’S RETURN (Drak sa Vracia)
Eduard Grecner, 1968

30. EL SUEÑO DE UNA NOCHE DE VERANO (Sen Noci Svatojanske)
Jiří Trnka, 1959. Animación. Marionetas

31. EL SOL EN LA RED (Slnko v Sieti)
Stefan Uher, 1962

32. EL HELECHO DORADO (Zlaté Kapradí)
Jirí Weiss, 1963

33. HOLUBICE
František Vláčil, 1960

34. FINAL FELIZ (HAPPY END) (Stastny Konec)
Oldrich Lipský, 1967

35. ¡AL FUEGO, BOMBEROS! (Horí, má Panenko)
Milos Forman, 1967

36. ÉXTASIS (Ekstase)
Gustav Machatý, 1933

37. EL GATO DE CASANDRA (aka UN DÍA, UN GATO) (Az Prijde Kocour)
Vojtech Jasný, 1963

38. TRENES RIGUROSAMENTE VIGILADOS (Ostre Sledované Vlaky)
Jirí Menzel, 1966

39. VIAJE A LA PREHISTORIA (Cesta do Praveku)
Karel Zeman & Fred Ladd, 1955. Animación. Stop motion

40. UNCLE CIRYL (aka THE DAMNED HOUSE OF HAJN) (Prokletí domu Hajnù)
Jirí Svoboda, 1989

41. ESCUELA PRIMARIA (Obecna Skola)
Jan Sverák, 1991

42. DIAMANTES EN LA NOCHE (Démanty Noci)
Jan Němec, 1964

43. THE FORTY FOUR (Styridsatstyri)
Palo Bielik, 1958

44. LA CENICIENTA Y EL PRÍNCIPE (TRES AVELLANAS PARA CENICIENTA) (Tri orísky pro Popelku)
Václav Vorlícek, 1973

45. EL BOXEADOR Y LA MUERTE (Boxer a Smrt)
Peter Solan, 1963

Mención extra: DIMENSIONES DEL DIÁLOGO (Moznosti Dialogu)
 Jan Švankmajer, 1982. Cortometraje. Animación. Claymation

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RETORNO AL PASADO

Out of the Past

Estados Unidos, 1947. 97 min. B/N

Dirección: JACQUES TOURNEUR. Guión: Daniel Mainwaring (Novela: Daniel Mainwaring). Música: Roy Webb. Fotografía: Nicholas Musuraca. Intérpretes: Robert Mitchum, Jane Greer, Kirk Douglas, Rhonda Fleming,  Richard Webb, Steve Brodie,  Virginia Huston,  Paul Valentine,  Ken Niles,  Dickie Moore.

«Cerca de la plaza, había un café llamado La Mar Azul, al lado de un cine. Me sentaba ahí por la tarde, a tomar una cerveza, medio dormido en el calor y la oscuridad. Sólo la música que provenía del cine cercano lograba mantenerme despierto. Entonces fue cuando la vi, y al verla entrar por la puerta soleada comprendí por qué a Whit no le importaba los 40.000 pavos»

Jeff/Robert Mitchum

Película fundamental en la historia del cine y paradigmática del cine negro, Retorno al Pasado, dirigida en 1947 por el nunca suficientemente reconocido Jacques Tourneur, condensa y resume los mejores y más característicos estilemas narrativos y formales del género desarrollado en Estados Unidos, el cual tuvo su apogeo en los años cuarenta del siglo XX con títulos tan emblemáticos como Perdición, Laura, Perversidad, El Sueño Eterno, La Jungla del Asfalto, Forajidos y Al Rojo Vivo, entre otros. Retorno al Pasado es, probablemente, la mejor de todas ellas. El crítico y experto Robert Ottoson la elogió como «el ‘non plus ultra’ de las películas negras de los años cuarenta».

Jeff Markham/Bailey (Robert Mitchum), un antiguo detective de Nueva York retirado, regenta con una nueva identidad una gasolinera en un pequeño pueblo californiano de montaña, Bridgeport, donde lleva una vida tranquila y sencilla y quiere a una chica con la que piensa casarse, Ann Miller (Virginia Huston). Inesperadamente, recibe un mensaje de Whit Sterling (Kirk Douglas), un viejo conocido jefe del hampa que anuncia que quiere verlo. Entonces Jeff rememora, mientras habla con su novia en el coche, su turbio pasado en un largo y denso flashback que ocupa casi un tercio del metraje.

… fue contratado por Sterling para buscar a su amante, Kathie Moffett (Jane Greer), quien se había escapado tras quitarle 40.000 dólares; la encontró en Acapulco (en una de las partes más logradas de la película), pero se enamoró de ella y huyeron a San Francisco, donde vivieron durante un tiempo; sin embargo, la mujer volvió a huir, abandonándole tras matar a un antiguo socio suyo que la había descubierto. Ahora, en el presente, Jeff, Whit y Kathie se reencuentran para rendirse cuentas del pasado, reeditándose el entorno de (auto)mentiras, traiciones, desconfianzas y asesinatos…

Out of the Past adapta la novela «Build My Gallows High», escrita por el periodista Daniel Mainwaring y publicada bajo el seudónimo de Geoffrey Homes en 1946. El mismo Mainwaring elaboró el guion, a la postre uno de los más brillantes e intencionadamente confusos del noir, con unos diálogos inteligentes y concisos. Enmarcada en un mundo cínico y amoral, la historia deja a un lado las escenas de acción y centra su atención en los aspectos psicológicos de los personajes, quienes se mueven dominados por el azar y el destino trágico, especialmente Jeff (en un papel que rehusó Humphery Bogart por estar afiliado a la Warner), cuyo pasado retorna y lo destruye, como le pasa a «El Sueco» de Forajidos, también gasolinero.

Tourneur, además, hace uno de los retratos de femme fatale más fascinantes y retorcidos de la historia del cine bajo los rasgos de Jane Greer, uno de los más conseguidos junto al de Kathie Moffetten/Barbara Stanwyck en Perdición. Kathie Moffett es una mujer bella, seductora y aparentemente inofensiva, pero manipuladora y perversa. Como si fuera una mantis religiosa que devora a todo aquel que se le acerca, Kathie teje para el pobre Jeff una hermosa telaraña («¿Me quieres un poco? Mucho»), enmarañándolo en las redes de su amor («¿No quieres creerme? Cariño, ¡a mí qué me importa!») y haciéndole vivir una pasión sin futuro («Si piensas en otra mujer, pierdes el tiempo. Tú sólo puedes ser para mí»).

El director de Yo Anduve con un Zombie y La Mujer Pantera deja constancia, una vez más, de su maestría para transformar atmósferas perturbadoras y oscuras en algo poético, emocionalmente sutil y visualmente exquisito. La película destaca por la excepcional fotografía en blanco y negro de Nicholas Musuraca, cuya participación en el cine negro al lado de Tourneur, Lang y Siodmak prueba sus irrefutables cualidades artísticas para el género. El filme combina, con acierto, los usuales espacios urbanos (San Francisco), mostrados sórdidos y nocturnos y con gran presencia de interiores claustrofóbicos y sombras amenazadoras al estilo expresionista, con los espacios rurales  (Bridgeport y Acapulco), representados por idílicos exteriores diurnos (algunos recuerdan a El Último Refugio).

Retorno al Pasado es una película que habla sobre la desilusión por la vida y cuyo enigma es el del deseo fatal y las ambigüedades del amor unidas a la muerte. Realizada para la mítica RKO en una época donde aún se hacían películas para soñar, Out of the Past es la cúspide del versátil artesano Jacques Tourneur, un realizador injustamente olvidado y a reivindicar que supo hacer de las carencias presupuestarias una virtud y que regaló al género, con este filme, una de sus obras maestras.

«En Tasco hacía un calor insoportable; tanto como nunca había sentido. Y sin embargo, en Acapulco aún hacía más»

Jeff/Robert Mitchum

TOP 10 Humphrey Bogart

HUMPHREY BOGART (Nueva York, EEUU, 1899 – Los Ángeles, California, EEUU, 1957)
Figura emblemática del cine negro, de estilo cínico y moralmente dudoso

«No eres una estrella hasta que no saben escribir tu nombre en Karachi»

Humphrey Bogart

1. EN UN LUGAR SOLITARIO (In a Lonely Place)
Nicholas Ray, 1950

2. CASABLANCA
Michael Curtiz , 1942

3. EL SUEÑO ETERNO (The Big Sleep)
Howard Hawks, 1946

4. LA REINA DE ÁFRICA (The African Queen)
John Huston, 1951

5. EL HALCÓN MALTÉS (The Maltese Falcon)
John Huston, 1941

6. TENER Y NO TENER (To Have and Have Not)
Howard Hawks, 1944

7. LA SENDA TENEBROSA (Dark Passage)
Delmer Daves, 1947

8. EL TESORO DE SIERRA MADRE (The Treasure of the Sierra Madre)
John Huston, 1948

9. EL ÚLTIMO REFUGIO (High Sierra)
Raoul Walsh, 1941

10. CAYO LARGO (Key Largo)
John Huston, 1948

Mención extra: LOS VIOLENTOS AÑOS VEINTE (The Roaring Twenties)
Raoul Walsh, 1939

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